일본의 전통 예능

1조

이충훈, 김민지, 예주현, 최기주, 최은지

목차

Ⅰ. 서론

Ⅱ. 본론

1. 이케바나

(1) 이케바나의 개념

(2) 이케바나의 역사

(3) 이케바나의 양식

(4) 이케바나의 미적 포인트

2. 다도

(1) 다도의 개념

(2) 다도의 윤리

(3) 좋은 다회란 무엇인가

(4) 다사칠식

(5) 다회를 가질 때 주의해야 할 점

(6) 사규(四規)란 무엇인가

3. 노

(1) 노의 역사

(2) 노의 가면

(3) 노의 무대

(4) 노의 배우

(5) 노의 연기

4. 가부키

(1) 가부키의 개념

(2) 가부키의 역사 및 발달 과정

(3) 가부키의 분류방법에 따른 구분

(4) 가부키의 배우 및 배역

(5) 가부키의 무대 및 연기의 필수요소

5. 라쿠고

(1) 라쿠고의 개념

(2) 라쿠고의 구성 요소

(3) 라쿠고의 역사

Ⅲ. 결론

Ⅰ. 서론

우리나라와 가장 가까운 나라이면서 36년 동안의 식민통치라는 수치스럽고 뼈아픈 경험을 준 일본이라는 나라에 대해서 공부를 너무 소홀히 해왔던 것 같다. 어쩌면 일본에 대해서 잘 알고 있다고 착각을 하고 살아온 것인지도 모른다. 같은 문화권에 속한 일본이 어떻게 해서 초강대국이 되었는지, 또 일본이 갖고 있는 저력에 대해서 우리는 알아야 한다고 생각한다.

어떤 나라에 대해 공부할 때 가장 먼저 알아야 할 것이 그 나라의 문화라고 생각했다. 그 중에서도 국가의 뿌리를 만들어 온 전통문화를 아는 것이 가장 우선이 아닌가 생각한다.

그래서 우리조는 일본의 전통문화 중 일본 전통 예능에 대해서 연구해보고자 하였다.

Ⅱ. 본론

1. 이케바나

(1) 이케바나의 개념

- 이케바나는 일본의 전통예술의 하나로 꽃이나 줄기 잎들을 자르고 정리하여 화병이나 비슷한 그릇에 아름답게 담아내는 것으로서, 전통적인 의미로는 일본의 고전적인 꽃꽂이 기술을 말하는 것이고, 후에 의미의 폭이 확대되어 꽃을 이용한 일본의 다양한 예술 양식을 통틀어 일컬어진다. 이케바나는 이케루라는 동사와 하나라는 명사가 결합된 말로서, 꽃의 아름다움을 잘 살려내도록 꽃을 돋보이도록 하는 작업이라는 의미를 지닌다. 이케바나는 자연의 꽃을 사용하여 천(天),지(地), 인(人)의 3요소를 동양적인 사상을 이케바나 형식에 적용하여 균형 있게 표현한다고 하는 생각을 기본으로 하고 있다.

(2) 이케바나의 역사

- 이케바나의 기원은 6세기에 중국 불교 승려들에 의해 처음으로 도입되었다. 승려들이 부처님의 제단에 꽃을 받치는데서 시작하였다. 하지만 오늘날과 같이 꽃을 꽂는 것이 하나의 예술 행위로서 자리 잡기 시작한 것은 일본의 가옥에 도코노마(방바닥을 약간 높여 화병 등을 놓아두는 곳)라는 공간이 만들어진 15세기경부터이고, 이케바나가 성행하게 된 것은 16세기경부터이다. 꽃을 꽂는 방법이나 도구에 따라 꽃꽂이의 기법이 형성되고 이론이 전개되며 각 유파가 성립되었다. 현재 일본에 있는 이케바나의 유파는 3000여 종류가 있다고 알려져있다. 대표적 유파로는 사찰을 중심으로 발생했고 아케노보센케이라는 승려에 의해 만들어진 ‘이케노보‘ 유파가 있다. 메이지 시대에 다른 전통예술, 예능이 많아짐과 동시에 일시 쇠퇴했지만 이케바나를 통해 정신적 수양을 할 수 있는 기회를 줄 뿐만 아니라, 공간을 아름답게 해주는 장식적 효과와 오랜 역사와 다양한 기법의 발달로 하나의 독자적인 예술로 자리 잡고 있다.

(3) 이케바나의 양식

- 이케바나의 기법은 여러 가지 다양한 방식으로 발전되었다. 가장 일상적인 것으로는 둥그런 그릇에 꽃꽂이를 할 경우에는 ‘릿카’와 ‘세이카’ 혹은 ‘쇼카’, ‘나게리에’와 같은 방식이 쓰이며, 납작한 접시모양 그릇에 할 경우에는 모리바나의 방식이 이용된다.

1) 릿카

- 이케바나 전문가의 출현으로 꽃꽂이는 세련된 미의식을 지니며 일정한 양식을 설정하여 이를 체계화하는 일이 시작되었다. 가장 고전적인 꽃꽂이로는 꽃이나 꽃나무를 그대로 세운다는 뜻으로 다테바나라고 했으나, 차츰 양식이 정비됨에 따라서 ‘릿카‘라 불려지게 된다.

릿카는 1682년에 간행된『입화대전』에 쓰인 용어이며, 당시에는 규모가 큰 실내의 장식품으로 등장했다. 릿카를 시도한 중심인물은 귀족가문인 야마시나가의 하급무사인 오사와 히사모리였다. 1488년 정월에 궁정에서 열린 의례에 참석한 사람들을 위하여 가무와 주연이 벌어졌는데, 연회장을 장식하는 릿카를 만드는 일은 오사와가 담당했다. 그 후에는 궁중의 행사가 있을 때마다 행사와 잘 어울리는 모양의 릿카를 만들었다. 뿐만 아니라 이 시대의 쇼군들은 객실을 호화스럽게 꾸미고 전문가를 동원하여 이케바나를 장식하였다. 릿카는 규모가 커 웅장하고 화려하다는 특징이 있다.

2) 나게이레

- 릿카에 대한 일종의 반작용이라고도 할 수 있는 나게이레라는 양식이 나왔다. 이는 꽃을 던져 넣듯이 꽃병에 넣는다는 뜻으로 규격화된 화병이 아닌 그릇에도 손쉽게 가벼운 기분으로 꽃을 던져 넣는 듯 꽃을 꽂아 이케바나를 할 수 있다는 뜻을 지닌다. 나게이레는 다실에 도입되어 ‘자바나‘라고 불리며 다실의 이케바나로 중시되었다. 나게이레의 특징으로는 즉석에서 만들어 손님에게 보이고 대접할 수 있다는 점과 그런 즉흥적인 운치를 즐길 수 있다는 점을 들 수 있다. 형식보다는 운치를 존중하는, 일상적이며 다루기 쉬운 이케바나로서 널리 유행했다.

3) 세이카

- 릿카를 간략하게 할 목적으로 자유로운 표현 양식을 연구하게 되어 나게이레보다는 약간의 형식을 갖춘 이케바나 양식을 만들어 낸것이 ‘세이카‘다. 이케보노 유파에서는 릿카를 간략하게 한 작은 꽃꽂이라는 뜻으로 ‘쇼카‘라는 명칭을 썼다.

4) 모리바나

- 러⋅일 전쟁 이후 서양꽃을 도입하여 색채가 풍부한 새로운 이케바나를 시도한 사람은 ‘오하라 운신‘이었고, 이것을 모리바나라고 하였다. 오사카에서 활동하던 오하라 운신은 수반 형식의 화기를 이용하여 사실적이며 서경적인 풍경을 꽃으로 나타내었으며, 화려한 색상의 꽃을 써서 당시의 서양풍 주택에 어울리는 이케바나를 시도하였다.

5) 지유바나

- 전통적인 이케바나의 형식주의를 탈피하여 예술적인 이케바나를 추구하려는 경향을 ‘지유바나’라고 한다.

(4) 이케바나의 미적 포인트

-자연 가운데 있던 꽃을 꺽어다가 다듬고, 일정한 양식을 갖추어 화병이나 수반에 이케바나 작품으로 완성하는 과정을 즐기며, 남들에게도 보이는 일은 그리 간단한 일이 아니다. 꽃을 꽂는 과정에는 기본적으로 자신의 미의식이 작용하지만, 이에 앞서 누구나 공감할 수 있는 기본적인 구성양식을 갖추어야 한다. 이케바나에 쓰이는 꽃이나 가지 풀 등을 통틀어 말하는 화재를 어떻게 쓰는가에 따라 나타나는 구성요소로는 균형, 운율감, 운동감, 색채 등 네가지를 들 수 있다.

균형, 즉 밸런스를 갖추는 일은 미의 기본적인 요소로, 공간을 꽃으로 구성하는 이케바나는 꽃이나 가지, 풀 등의 화재 상호간에 생기는 무게중심을 어떻게 배치하는가 하는 것이다.

운율감은 리듬을 말한다. 하나의 이케바나 작품 안에서 꽃이나 풀잎 혹은 가지의 선을 어떻게 흘러가는 듯이 배치하는가에 따라서 생겨나는 아름다움이다.

운동감은 실제로는 정지되어 있는 상태인 화재이지만, 어떤 화재를 어떻게 배치하는가에 따라서 달리 나타나는 동적인 느낌을 말한다.

색채에는 색상 자체의 다양함과 더불어 질감이 있다. 따라서 색채의 변화로 부드럽기와 세기 감정 등을 표현할 수 있게 된다.

2. 다도

(1) 다도의 개념

- 중세 이후 일본에서는 직업적으로 차를 다루는 千利休(센리큐), 武野紹鷗(다케노 조오)와 같은 다인(茶人)이 활동을 하여, 이들이 차를 달여 마시는 여러 가지 규칙을 정하고 이 규칙에 따라 차를 즐기는 일을 다도(茶道)라 하였다. 뿐만 아니라, 불교의 선(禅)의 정신과 불교 의식을 다도의 정신세계와 예법에 응용하여, 다도를 통해 정신수양을 꾀하고자 하였다. 즉, 다도를 수련하여 얻는 경지와 참선을 통해 얻는 경지는 같은 것이라고 하는 ‘다선일미 (茶禅一味)’ 사상이 성립되었다.

(2) 다도의 윤리

- 다도의 시조로 불리는 무라타 주코(村田珠光)는 차선일미(茶禪一味)의 경지를 주장하였고, 작은 다실 속에서의 마음의 수양을 중시한 다케노 조오(武野紹鷗)에 이르러 일기일회(一期一會 : 차 모임의 주인과 손님의 마음가짐으로, 주인은 손님에 대해 손님은 주인에 대해 일생에 한 번밖에 만날 수 없다는 생각으로 성의를 다하는 것)의 다도윤리가 생겨났다.

(3) 좋은 다회란 무엇인가?

- 좋은 다회란, 느낌에 거스름이 없는 지극히 자연스러운 공간을 갖추고, 평온한 마음으로 차를 나눌 수 있어야 한다.

좋은 다회를 위한 구성은 다음과 같다. 다실에서는 찻물을 끓이기 위해 불을 피우는데, 계절에 맞추어 붙박이식 화덕인 노와 이동식 풍로를 구별하여 쓴다.

노는 찻물을 끓일 뿐만 아니라 난방의 역할을 겸하기 때문에 겨울에만 쓰고, 풍로는 노와 달리 가마에만 열을 집중시킬 수 있어서 방 안 전체를 덥게 하지 않기 때문에 여름에만 써야 한다는 것이다. 이는 계절에 맞추어 다도구를 구분해서 써야 함을 말한다.

(4) 다회의 일곱 가지 종류

- 다회는 개최 시기와 목적 등에 따라 기본적인 일곱 가지 방식이 있는데, 이를 다사칠식((茶事七式)이라고 한다.

⓵ 정오에 모여 간단하게 식사를 곁들여 여는 다회 – 낮다회

⓶ 밤에 모여 이야기를 나누며 여는 다회 - 밤다회

⓷ 아침에 여는 다회 - 아침다회

⓸ 새벽 4시경부터 동이 트는 풍경을 보면서 그 정취를 이야깃거리로 삼기 위해 여는 다회 – 새벽다회

⓹ 신분이 높은 귀한 손님이 다실에 다녀간 직후에, 비록 그 손님과 함께 차를 마시지

못했으나 그 손님과 같은 자리에 앉아서 그 손님이 쓰던 다도구로 차를 마시며 그분의 정취를 느껴보기 위해서 여는 다회 – 자취다회

⓺ 미리 알리지 않고 불쑥 찾아온 손님을 위하여 여는 다회 – 불시(不時)다회

⓻ 그해에 새로 딴 찻잎을 찻단지에 넣어 봉해 두었다가 11월에 손님을 모신 자리에 개봉하고, 그 자리에서 찻잎을 갈아 차를 달여 대접하는 다회 – 개봉다회

(5) 다회를 가질 때 주의해야 할 점

- 보통 다회를 한 차례 진행하는 데 걸리는 시간은 4시간 이내로 하며, 그 이상 길어지지 않도록 한다. 손님의 수는 5명 이내를 원칙으로 한다. 이는 5명이 넘게 되면 이야깃거리가 분산되거나 손님들이 편을 갈라 이야기를 나누게 되는 경우가 발생 할 수도 있기 때문이다. 또한 다실에서는 금전에 관한 이야기, 남녀 관계 이야기, 정치에 관한 이야기 등은 금기 사항이었다. 다도 창시자 중 한 사람인 다케노 조오는 시(詩)나 차에 대한 이야기를 이상적인 이야깃거리로 삼으며, 다실을 통해서 풍류를 즐겨야 한다고 하였다. 다실에는 반드시 족자를 걸거나 꽃꽂이로 장식해 둔다. 다실은 차를 마시는 공간이자 예술 감상을 위한 공간으로서의 의미를 가진다.

다실의 공간은 ‘시중(市中)에 있는 산거(山居)’와 같은 곳이어야 한다고 말한다. 또 다실은 일상생활과 예술 세계를 연결하는 완충 지대 역할을 한다.

(6) 사규(四規)란 무엇인가

- 사규(四規)란 지켜야 할 네 가지 규율을 말한다. 선종(禪宗)에서는 승려들의 생활양식은 ‘화 • 경 • 청 • 적(和敬淸寂)’을 기본으로 해야 한다고 말한다. 센노 리큐는 다도를 하고자 하는 사람들이 지녀야 할 마음가짐은 이 네 가지가 기본이 되어야 한다고 했다.

⓵ 화(和)란 서로 사이좋게 지내며, 나아가 불심에 의하여 서로가 하나로 잘 어우러지는 상태를 말한다.

⓶ 경(敬)이란 주인이나 손님 모두가 불성을 공유하는 존엄한 인격체임을 서로 인정할 때 저절로 우러나오는 상호 존중의 마음가짐을 말한다.

⓷ 청(淸)은 감각적 • 물질적인 청정무구(淸淨無垢)의 상태를 기본으로 한다.

⓸ 적(寂)은 조용한 상태, 즉 다실에서는 정적(靜寂)을 유지하라는 의미이지만, 다도에서는 공간적인 정적만을 의미하는 것이 아니라, 주위에 의해서 동요되지 않는 마음의 정적, 적연부동(寂然不動)의 심경을 말한다.

3. 노

(1) 노의 역사

- 일본에는 3대 주요 전통극 '가부키, 분라쿠, 노' 가 있다. 가장 오래된 것이 '노'(能)로서 14세기에 탄생했다. 무대 장치는 간단한데, 배우는 가면을 쓰고 전통 의상을 입는다. 배우들은 대사를 읊조리며 매우 천천히 움직인다

에도시대에는 막부의 지원을 받아서 하나의 의식으로 여겨지기도 했고, 메이지 시대 이후로는 귀족과 신흥재벌에 의해 고급문화로 대접을 받았다고합니다.

지붕이 있는 전용무대와 노멘 이라는 가면을 활용해 연기, 노래, 춤 으로 극을 이끌어 나갑니다.노에서 쓰는 가면은 무섭게 느껴지지만 배우가 자신의 표정을 감추기 위해 가면을 쓰거나 무표정으로 연기를 한다고 하니 무섭지만 매력적인 가면극입니다.

노(能)는 원래 종교적 의식으로서 실시되었던 것으로 700년 이상의 역사를 지닌 일본을 대표하는 무대 예술이다.  일본 고유의 전통 의상을 입은 연기자는 자신의 표정을 감추기 위하여 가면을 사용하든가 혹은 무표정으로 연기를 하지만 가면 뒤에는 수많은 표정이 감추어져 있다.

(2) 노의 가면

- 노의 분장에서 시테 및 시테즈레의 얼굴에 부착시키는 가면을 노멘[能面]이라고 하며, 노에서 쓰는 용어로는 '멘' '오모테'라고 한다. 노멘은 앞에서 언급한 대로 와키가 사용하는 일은 없고 시테도 사용하지 않는 경우가 있는데, 이것을 히타멘[直面]이라고 한다. 시테즈레는 통상 여성, 맹인 및 인간 이외의 신령이라든가 동물 혹은 헨게[變化] 등의 역에만 사용한다. 노는 가면의 예술이라고 할 수 있다. 그만큼 노의 아름다움은 노멘에 상징화되어 있다. 따라서 노멘은 단순한 분장용구 이상의 의의를 지니고 있다.와 같이 노멘은 노의 생명이라 할 만큼 중요한 비중을 가지고 있으며, 예로부터 그 자체가 뛰어난 예술성을 지닌 공예품으로 인정받아왔다. 또한 그러한 가치 있는 오모테가 아니면 노 가면으로서 제대로 기능하지 못하는 것으로 생각되었다. 이미 가마쿠라[鎌倉]시대에 오미 사루가쿠[近江猿樂]의 샤쿠즈루[赤鶴吉成]라는 명작자가 있어 신령귀축류의 강함을 표현한 오모테를 만들었다는 기록이 전한다.

(3) 노의 무대

- 초창기의 노는 심어져 있는 나무와 그대로 보이는 하늘이 배경이 되는 야외가무극이었다. 그러다가 무대가 신사 경내에 설치되었고 현대에는 실내 공간 안에 설치되기에 이르렀다. 그런 흔적으로 무대 정면에는 커다랗게 소나무 한 그루를 그려 놓고, 왼쪽에는 작은 소나무 세 그루를 심어 놓는 전통이 지켜지고 있다.무대는 관객이 볼 때 중앙 부분인 본무대, 연주를 담당하는 악사들의 자리인 아토자(後座), 코러스를 담당하는 악사들의 자리인 지우타이자(地謠座), 준비실에서 무대로 등장할 때 통행하는 기다란 통로이자 무대의 일부인 하사가카리(橋卦り) 등으로 구성되어 있다.악기는 피리, 소고, 대고(大鼓), 태고(太鼓)의 4종류가 있으며, 각각 전문 연주자가 있다.

(4) 노의 배우

- 노 무대에서는 인물이 등장하여 품고 있는 각각의 사연을 그려낸다. 신들의 이야기, 무사이야기, 미녀이야기, 또 이루지 못한 욕망으로 생기는 광란과 인간의 집착 등 오늘날 정식으로 공연할 수 있는 작품은 약 240편이 된다.'노'를 상연할 때 가장 많은 역할을 담당하는 주인공이 '시테(仕手)'이다. 시테는 대대로 담당하는 집안이 있어 세습해 나간다. 또 부주인공인 '와키(脇)'는 시테의 상대 배역으로서 승려, 신관, 무사, 신하, 마을 사람 등 남자 역으로만 등장하는 특징이 있다. 와키는 주인공의 이야기를 받아주는 역할을 하며, 현실에 존재하는 인간의 배역이기 때문에 가면을 쓰지 않는다.

(5) 노의 연기

- 노는 스리아시[擦足], 즉 살짝 땅에 스치듯 하는 걸음을 감상하는 예술이다. 노의 연기자는 모두 스리아시 연마에 생애를 다 바친다. 스리아시야말로 노의 가면에서 생겨난 것이다. 노의 가면을 쓰면, 노의 연기자는 암실(暗室) 속에 들어간 것과 같은 불안감을 느낀다. 노의 가면은 얼굴을 감싸기 위해 주변이 안쪽으로 휘어진 채 만들어져 있기 때문에 빛이 들어오지 않는다. 오직 두 개의 눈구멍만이 뚫려 있다. 노의 가면을 쓰고 볼 수 있는 범위는 매우 한정되어 있다. 상하좌우가 보이지 않으며, 다리도 보이지 않는다. 그래서 극히 드문 일이지만 노련한 연기자라도 무대에서 떨어지는 경우가 있다. 따라서 길을 걷는 것과 같은 평범한 걸음걸이로는 걸을 수 없는 것이다.

4. 가부키

(1) 가부키의 개념

- 가부키[歌舞伎]는 음악과 무용,기예가 어우러진 일본의 전통연극이다. 16~17세기 에도시대에 노와 교겡이 귀족이나 무인 같은 상층의 지배계급이 즐기던 예능이었다면, 가부키는 도시의 상공인들과 서민들이 즐기던 예능이었다. 결국 가부키는 피지배계층의 사람들이 즐겼던 예술이라고 할 수 있다.

(2) 가부키의 역사 및 발달 과정

- 기록되어 있는 최초의 가부키 공연은 1603년 4월의 '오쿠니[阿國] 가부키'이다. 오쿠니는 무녀(巫女)로, 교토의 시조가와라[四條河原] 강변에서 가설극장을 짓고 공연을 했는데 매우 큰 인기를 끌었던 인물이다.오쿠니는 이 공연에서 기묘한 남자 흉내를 내며 큰 칼에다 이상한 의상을 걸치고, 술집 여자와 서로 희롱하는 모습을 공연했다. 또한 오쿠니는 무녀였지만 유랑생활을 하며 몸을 파는 유녀(遊女)의 역할도 함께 겸하고 있었기 때문에 이 공연을 를 '유녀 가부키[遊女歌舞伎]'라고도 불렀다. 이러한 유녀 가부키는 연기상 매우 관능적인 특징을 가질 수밖에 없었다. 결국 1629년, 풍속을 문란하게 만들고 사회 질서를 교란시킨다는 도쿠가와 막부의 판단에 의해 유녀 가부키는 완전히 금지당하고 말았다.

이와 같이 가부키는 발생 초기부터 유희적이고 관능적인 서민예술로서의 특성을 가지고 있었다. 이후에도 이러한 특성은 변함없이 그대로 유지된다. 유녀 가부키가 금지되자, 대중들의 관심은 미소년을 배우로 기용한 가부키 쪽으로 이동하게 된다. 유녀 가부키의 금지로 인하여 이미 존재하고 있었던 '미소년 가부키[와카슈 가부키, 若衆歌舞伎]'가 더욱 각광을 받기 시작한 것이다. 미소년 가부키는 용모가 뛰어난 소년들이 무대에 등장하여 아름다운 춤, 노래, 곡예 등을 선보이며 육체적인 매력을 뽐내는 가부키였다. 공연의 측면에서 보면 이것은 유녀 가부키와 전혀 다를 바 없는 방식을 취하고 있었다. 그러나 미소년 가부키도 남색(男色) 매음의 문제로 인해 유녀 가부키와 똑같은 사회 문제를 불러 일으켜 1652년에 전면 금지당하고 말았다.

이후 1653년, 서민들의 가부키에 대한 열망과 극단들의 계속된 진정으로 인해 다시 가부키 공연이 허락되었다. 그러나 이후 가부키 공연은 여성과 소년을 출연시키지 않고, 남자 성인만을 출연시킨다는 조건을 반드시 지켜야 했다. 미동(美童)의 상징인 앞머리를 자른 머리 모양을 '야로[野郞]머리'라고 하는데, 이로 인하여 성인 남자들에 의한 가부키는 '야로 가부키[野郞歌舞伎]'라고 불렸다. 또한 이러한 성인 가부키는 춤을 추지 않고, 반드시 노와 교겡의 연극적 방식을 받아들여 공연을 해야만 했다.

이렇게 하여 가부키는 본격적으로 연극의 길로 나아가게 된다. 종래의 유녀 가부키와 미소년 가부키가 무용과 음악 중심의 공연이었다면, 야로 가부키는 다른 예능의 극적인 요소를 받아들여 고전극으로 발전할 수 있는 계기를 마련하였다. 결국 야로 가부키는 본격적으로 노가쿠의 연희 형식을 섭취하여 더욱 비약적으로 발전하였다. 17세기 후반에서 18세기 초에 걸친 겐로쿠시대[元祿時代]의 가부키를 겐로쿠 가부키[元祿歌舞伎]라고 하는데, 이 시대의 가부키는 사실적인 대사극으로 완전히 확립되었다. 이후 덴메이 가부키[天明歌舞伎]시대를 거쳐 오늘날과 같은 가부키의 형식으로 정착하게 되었다.

(3) 가부키의 분류방법에 따른 구분

- 가부키를 창작과정에 따라 나눈다면, 준가부키와 기다유카부키, 신가부키로 나눌 수 있다.

또한, 가부키를 양식에 따라 나눈다면, 시대극[時代物]과 세태극[世話物], 무용극 등으로 나눌 수 있다.

시대극은 도쿠가와시대 중기 이전의 세계를 무대로 삼는 극을 지칭한다. 연기는 양식적이고 매우 과장된 수법을 쓰고 있다. 연기의 속도가 느려서 발성 하나에 몇 초의 시간이 걸리기도 한다. 주로 역사상 유명한 인물이나 무사계급을 둘러싼 사건들을 다루고 있는 것이 특징이다. 그러나 일본의 역사를 다루고 있기는 하지만, 시대극들이 실제 역사적 사실이나 풍속을 제대로 묘사하는 것은 아니다. 시대극은 역사적으로 유명한 인물들이나 사건들을 다루면서도 항상 자유로운 창작이 가미된다.

세태극은 도쿠가와시대 중기 이후의 세계를 무대로 삼는 극이다. 연기는 사실적이고 근대극과 유사한 심리묘사가 들어 있다. 연기의 속도가 빠르고, 손에 잡힐 듯 생생하게 보이는 연극이다. 등장인물도 시정의 무명 상인들로서 그들의 활약상을 그리고 있다. 실제로 여항(閭巷)에서 일어난 정사(情事)사건이나 살인사건을 주제로 삼기도 하고, 협객(俠客), 스모[相撲], 유녀 등의 의리인정(義理人情)을 주제로 삼기도 한다.

무용극은 춤을 가장 중요한 요소로 사용하는 극이다.

대체적으로 공연은 일반적으로 시대극, 세태극의 순서대로 이루어진다. 또 중간에 귀신, 게이샤[藝者], 동물들을 주인공으로 하는 무용극이 하나둘 삽입되며, 마지막에는 연기자들이 모두 출연하는 활기찬 무용인 오기리쇼사고토[大切所作事]로 대단원의 막을 내린다.

가부키를 내용에 따라 나눈다면,지다이모노,세와모노,오이에모노로 나눌 수 있다.

크게 무사나 역사적 사건을 그린 지다이모노(時代物)와 남녀의 연애사건이나 서민사회의 세태·사건을 그린 세와모노(世話物)라고 하며, 근세 다이묘(영주)들을 중심으로 일어난 사건을 다룬 것을 오이에모노(お家物)라고 한다.

(4) 가부키의 배우 밎 배역

- 가부키 배우는 전통적으로 천민이나 광대로 분류되어 신분의 차별을 받았다. 가부키가 점차 대중화됨에 따라 대중의 높은 인기를 얻게 되면서 가부키 배우는 가업으로까지 이어지는 권위 있는 직업이 되었다.배우들은 초기 가부키 배우들의 양식을 따라 연기하며 전통을 지켜왔는데, 그래서 이름 앞에 숫자를 붙여 자신이 몇 대(代)임을 나타낸다. 배우들은 가면을 쓰지 않으며, 역사적 인물은 화려한 의상을, 일반인들은 평복을 입어 구분한다. 그리고,  가부키의 배역 중에 가장 두드러진 것은 온나가타[女方, 女形]이다.

온나카타는 가부키공연에서  여성의 역할을 전문을 하는 남자배우를 말한다. 1629년경에, 풍기문란이라는 이유로 인해 여자가 무대에 오르는 것은 법령으로 금지되었기 떄문에 남자들이 여자로 분장하여 극을 진행할 수밖에 없었다. 이러한 연유로 하여 가부키는 독특하게 남자가 여자 배역을 맡아 연행하는 전통이 생겼다. 온나가타를 맡은 배우는 모든 배우들이 그러하듯, 어릴 때부터 여자 역을 익힌다. 지금도 온나가타의 역을 맡은 배우들은 일상생활에서도 여자다운 언어와 동작을 잊지 않으려고 신경을 쓰고 있는데 그 이유는 무대에서 남자들의 관심을 끌 수 있을 정도로 매력적인 연기를 해야 하기 때문이다.

(5) 가부키의 무대 및 연기의  필수요소

-가부키의 무대장치 중에서 주목해야 할 것으로 하나미치[花道]가 있다. 이 하나미치는 가부키에서 나타나는 독특한 무대장치이다. 메이지시대 이후 서양의 영향을 받아 가부키의 무대는 서서히 변해갔으나 하나미치만은 그대로 유지되어 오늘에 이르고 있다. 초기 가부키도 노의 무대를 답습하여 무대와 분장실 사이에 통로가 있었다. 이것이 점점 확대되어 관람석으로 가로지르는 형태로 변한 것이 바로 하나미치이다. 하나미치는 객석에서 무대를 향해 바라볼 때 왼쪽에 위치해 있고, 관람석을 가로질러 무대와 직접 연결되어 있으며, 배우가 출입하는 통로의 기능도 담당하고 있다.

또한 하나미치는 관객들의 공감을 이끌어내는 연극적인 분위기를 만드는 역할까지 한다.

가부키 배우의 연기는 일정한 '약속'으로 전승되는 특징을 가지고 있다. 우는 법, 웃는 법, 먹는 법, 싸우는 법 등 배우의 연기는 전반적으로 일정한 약속을 가지고 있어, 이 약속에서 크게 벗어나는 것을 허용하지 않는다. 이 약속을 가부키에서는 '가타[型]'라고 부른다. 가부키의 연기는 일정한 행동 형태를 본으로 삼는 것이다. 연기 이외에도 화장, 의상, 반주 음악, 장치 설정, 장식법, 각본 작성, 연극 흥행에 이르기까지 모든 요소에 걸쳐 정해진 양식이 있다.

가부키의 연기법 중에는 '미에[見得]'라는 것이 있다. 미에는 가부키의 독특한 연기법 중의 하나로 매우 중요한 의미를 가진다. 무대에서 배우가 연기를 진행하다가 극의 내용이 절정에 달한 어느 순간 정지한 상태로 눈을 크게 뜨고 손이나 발에 힘을 집중시키며, 극적인 포즈를 취하는 것을 말한다. 원칙상 이 순간에는 무대에 등장한 모든 인물들이 정지하고, 반주 음악도 딱딱이를 제외하고 모두 멈춘다. 이처럼 미에는 연기를 두드러지게 보여주는 것이며, 연기의 어느 한 부분을 초점화시키는 방법이다. 특정 부분을 관객에게 깊게 각인시키기 위해 신체의 움직임을 고정시켜 조각과도 같은 정지된 포즈를 취하는 것이다.

또한, 가부키 배우들이 공연 중에 배역의 성격이나 표정을 돋보이게 하기 위해 얼굴에 붉은색, 푸른색, 검은색으로 매우 짙은 화장을 하는 것을 구마도리(隈取り)하고 한다.

보통 붉은색은 정의로움을 상징하기 때문에 선인이나 영웅으로 나타나며, 푸른색은 악함을 상징하기 때문에 악인이나 귀신, 유령을 표상한다고 볼 수 있다.

5. 라쿠고

(1) 라쿠고란

- 유머러스한 내용을 재미있게 이야기하여 청중을 즐겁게 하는 일본 특유의 대표적인 요세 예능이며 와게이의 하나이다. 와게이는 연기자가 몸으로 하는 동작이나 도구에 크게 의존하지 않고, 연기자의 입담능력을 중심으로 전개하는 무대 예술을 말한다.

(2) 라쿠고의 구성요소

1)요세

- 라쿠고 전용 극장이나 무대가 있는데 이것을 요세라고 한다.

2)와게이

- 연기자가 몸으로 하는 동작이나 도구에 크게 의존하지 않고, 연기자의 입담능력을 중심으로 전개하는 무대 예술을 말한다.

3) 라쿠고카

- 라쿠고를 하는 사람을 라쿠고카라고 하며 만담과는 달리 무대 장치를 일체 사용하지 않으며 유일한 반주 음악은 이야기의 장단을 맞추는 북과 샤미센, 대금이며, 그 짧은 연주가 라쿠고카의 등장과 퇴장을 알린다.

라쿠고가는 청중들이 앉는 곳보다 조금 높은 곳인 코자에서 진행을 한다.

라쿠고카가 기모노를 입고 손에 부채나 수건을 들고 방석에 무릎을 꿇고 앉아서 이야기를 하며 부채와 수건은 이야기의 내용에 따라 국수를 먹는 젓가락이 되기도 하고, 때로는 편지를 쓰는 편지지가 되기도 한다. 라쿠고는 라쿠고카가 옛날이야기, 세상 이야기를 비롯한 정치·문학 등에 관한 이야기를 해학적·풍자적으로 만드는 것이 많기에 인간의 온갖 결점을 조롱하는 연기 예술이기 때문에 이야기의 줄거리보다도 그 등장인물의 성격 묘사에 중점을 둔다.

4) 오치

- 라쿠고에서 빼놓을 수 없는 중요한 것은 오치인데 오치는 이야기의 끝마무리로 하는 우스갯소리로써 재미있는 이야기 끝에 교훈적인 말로 마무리하는 것이다. 의외로 효과적인 결말로 많은 사람들에게 사랑을 받는 큰 이유 중 하나가 바로 이 오치이다.

(3) 라쿠고의 역사

라쿠고는 에도시대에 탄생한 400년 가까운 역사를 지닌 일본 전통 대중예술이며, 에도 시대에는 이야기를 의미하는 하나시, 오토시바나시, 가루구치, 곳케이바나시라고도 불렀는데, 메이지 시대에 들어와서 라쿠고라는 명칭으로 정착되었다. 초기에는 사람이 많이 모이는 길거리에서 흥행하다가 점차 직업적인 라쿠고가의 등장에 의해 옥내로 옮겨와 상설공연장인 요세에서 공연되었다. 서민의 오락으로 정착하여 에도에만 100여 곳으로 번성하였다. 일시 쇠퇴할 때도 있었지만 다시 부흥하여 메이지유신 이후 큰 전성기를 누리고 있다.

특히 근대 라쿠고의 아버지로 불리는 산유테이 엔초는 뛰어난 연기력과 창작력을 발휘하여 한 몸에 폭발적인 인기를 얻었다. 그의 〈괴담 모란등롱〉을 비롯하여, 라쿠고와 고단을 구연한 것을 기록한 속기본의 간행은 메이지 시기의 언문일치운동에 커다란 영향을 끼쳤다. 문학에서 언문일치운동의 추진자인 후다바테이 시메이(二葉亭四迷)가 엔초의 속기본을 높이 평가하였음은 라쿠고와 근대소설의 문체, 묘사 등과의 영향관계를 보여주는 하나의 좋은 예이다. 오늘날 일본의 대도시에는 라쿠고 전용 극장인 요세가 있어 관객이 원할 때 언제든지 감상이 가능하며 라쿠고카를 육성하고 요세를 운영하는 사업인 현대의 오와라이 산업 분야로 주목 받고 있다.

Ⅲ. 결론

- 지금까지 일본의 전통예능인 이케바나, 다도, 노, 가부키, 라쿠고에 대해서 조사를 해보았다. 우리나라와 바로 이웃해 있는 나라 일본이지만 우리나라의 전통 예능 문화와 매우 다른 면을 많이 보았다. 이제야 가깝고도 먼 나라라고 하는 이유를 아주 조금은 알 것 같다. 비록 일본전통예능이라는 일본 문화 중의 작은 부분을 조사 한 것이지만 이번 조사를 계기로 일본 문화에 대하여 관심가지고 더 심층적인 공부를 하고 관심을 높일 수 있는 계기가 되었던 것 같다.