일본문화의 이해

(형상화되는 미의식)

2조

최용훈

오상윤

권건희

이민정

1. 형식미와 상징성을 음미하는 정원

일본의 전통적인 정원에서는 눈으로 즐기는 것에 머물러서는 안 되며, 거기에 내포되어 있는 심오한 의미를 마음으로 느껴야 한다. 인공적으로 산과 바다를 만들되, 상징적인 기법을 다양하게 구사하였기에, 정원의 아름다움은 어떤 과정을 거쳐 형성 되었으며, 어떤 식으로 조형화했는가를 알아야 한다.

● 정원이란?

정원이라는 말이 사용된 것은 그다지 오래 전이 아니다. 뜻이 같은 ‘니와’라는 발음을 지니는 정(庭)과 원(園)은 원래 다른 의미를 지니고 있는 말이었다.

정(庭): 작업이나 행사를 하기 위한 장소

원(園): 야채나 과일나무, 또는 화초를 재배하고 있는 ‘둘러싸인 땅’을 의미

이처럼 의미가 다른 두 단어를 결합시켜서 정원이라는 포괄적인 용어가 쓰이기 시작한 시기는 19세기 말, 메이지시대 이후의 일이다.

● 정원의 세 가지 유형

일본의 정원을 크게 유형별로 세 가지로 분류할 수 있다.

1. 지센식 정원: 기본적으로 연못을 파서 그 주위에 감상거리를 만드는 정원

- 회유식 정원: 연못 주위에 산책길을 만들어 놓고, 그 길을 따라 연못을 돌면서 경                         관을 감상하는 정원

- 주유식 정원: 배를 띄울 수 있을 정도로 연못을 파고, 배를 타고 돌면서 연못주변                         의 경관을 감상하며 즐기는 정원

2. 가레산스이식 정원: 연못이나 흐르는 물은 없지만 바닥에 잘게 부순 돌이나 흰모래를 깔아                       수면과 같은 분위기를 나타내는 방식이며, 고도의 상징성을 지닌 정원

- 선원식 정원: 불교 사원 가운데 선종의 성원에서 정원에 가레산스이식 정원을 만들어, 참                  선하는데 활용하는 정원

- 지정식 정원: 모래나 하얀 돌을 잘게 부수어 바다나 강물 모양이 나도록 깔아 두는 형식으                 로서, 물이 없어도 강 또는 바다를 상상할 수 있도록 하는 정원이다.

3. 로지식 정원: 로지란 여기에서는 다실의 정원을 가리킨다. 다실에 온 손님들이 다실앞의 로                 지를 통해서 다실로 들어가는데, 다실에 이르는 통로로서 다도의 독특한 분위                 기를 자아낼 수 있도록 꾸민 정원이며, 다도의 정원이라는 뜻으로 ‘자니와‘라                 고도 한다.

- 초암식 정원: 다실을 암자처럼 작고 고박하게 짓고 지붕은 초가지붕으로 만들어 초암과 같                 은 분위기가 나도록 지었을 때, 초암에 어울리도록 구모도 작고 소박하고 한                 적한 느낌이 들도록 만든 정원을 말한다.

- 쇼인식 정원: 쇼인에 딸린 정원 양식을 말한다. 쇼인은 무사나 귀족들이 모이는 일종의 사                 교장으로서 귀하고 화려한 물건을 장식하는 공간이기도 한다. 쇼인 주위에는                 로지, 즉 정원을 만드는데 쇼인 건물에 어울리도록 만든 정원을 말한다.

4. 차경식 정원 : 정원에서 내다보이는 주위의 경관을 정원과 조화롭게 배치함으로서                            근거를 자기 정원의 일부인 것처럼 만든 정원

● 정원의 역사

- 일본 정원의 역사

초기 일본 문화는 한반도, 특히 백제의 영향을 강하게 받았음은 널리 알려진 사실이다. 정원에 있어서도 마찬가지였다. 『니혼쇼키[日本書紀]』에 612년 일본이름이 시키마로[芝耆摩呂]인 백제사람 노자공(路子工)이 궁궐 남쪽에 정원을 조성했다는 기록이 있다. 이것은 정원에 대한 일본 최초의 기록이다. 즉 일본정원의 역사가 아스카시대[飛鳥時代 6세기말~7세기)로 거슬러 올라감을 알 수가 있다. 세계문화유산으로 지정된 나라의 헤이조큐[平城宮] 도인테이엔[東院庭園]」일본의 정원 문화는, 중국, 한반도의 문화와 사상에 영향을 받으면서도 독자적인 형식·의장을 발전시켜 왔다. 일본에서 가장 오래된 조경서인 『사쿠테이키[作庭記]』에 「자연을 모방하여 정원을 만드는 것이 중요」하다는 대목이 있듯이, 일본 정원은 시대에 따라 그 형식도 변화되어 왔다. 794년에 일본의 수도가 나라에서 교토로 바뀌면서 헤이안시대[平安時代 794~1185]가 시작되었다. 귀족가문인 □후지와라□는 그들의 권력을 강화하고 전통예술과 문화를 발달시켰다. 이러한 귀족계층들은 □신덴-즈쿠리[寢殿造り]□ 형식의 사치스런 저택에서 살았는데 이 시대의 정원 또한 매우 호화로웠고, 일본 특유의 정원양식을 가지게 된다. 수차례에 걸쳐 공식적으로 견당사를 파견하여 당의 문물을 배워온 이 시대 귀족들은 당의 건축양식을 들여와 주 건물인 침전 앞뜰에 자연의 경관을 만들어 시정이 넘치는 감흥, 이른바 후제이[風情]를 창조하고자 하였다. 그래서 귀족 저택에는 대규모의 「신덴-즈쿠리[寢殿造] 정원」과 극락정토를 재현한 「죠도시키[淨土式]정원」이라는, 연못이 있는 우아한 정원이 탄생한다.

킨카쿠지[金閣寺]로 알려졌지만 본래의 이름은 로쿠온지[鹿苑寺]의 정원이다. 제3대 무로마치 쇼군인 아시카가　요시미츠[足利義滿;1358~1408]가 무소 소세키[夢窓疎石;1275~1351]가 만든 사이호지[西芳寺 일명 고케테라] 정원을 모델로 하여, 선(禪)의 형식으로 다시 만든 것이다.

11세기 말에 출간된 일본 최초의 정원이론서인 『사쿠테이키[作庭記]』는 침전식 정원의 형태와 의장에 대해 상세하게 기록한 책이다. 타치바나 노 토시츠나(1028~1094)가 쓴 이 책에서는 이 시기의 정원술은 불교와 깊고 복합적인 관계를 갖고 있으며 나무, 바위, 물 등을 숭배하는 전통적인 종교와도 연관을 가진다고 되어 있다.

중세 이후 무사들의 정권이 시작된 가마쿠라시대[鎌倉時代;1185경~1333]부터 무로마치시대[室町時代;1336~1573] 사이에는 선(禪)의 정신세계를 표현한 「가레산스이[枯山水] 정원」이라는 새로운 독특한 양식을 만들어 낸다. 무사들의 정신세계와 부합된 불교 선종은 정원에 있어서 돌의 사용을 더욱 암시적이고 추상적으로 처리하는 새로운 정원양식의 발달을 가져왔다. 물을 전혀 사용하지 않으면서도 돌과 자갈로서 자연의 산수를 그려낸 이 정원 양식은 일본정원을 세계의 여타 정원들과 구별하게 하는 독특한 양식이 되었다.

아즈치모모야마시대[安土桃山時代;16세기 후반]에는 차실(茶室)에 딸린 간소한 정원인「로지[露地]」가 탄생하여, 일본의 독특한 정신문화가 정원에도 반영되었다. 그리고 에도시대[江戶時代;1603~1867]에는 일본 조경 기법의 집대성이라고도 할 수 있으며, 거닐면서 감상할 수 있는 정원인 「지센카이유시키[池泉回遊式] 정원」이 다이묘의 저택에 유행하였다.

이처럼 일본정원은 시대에 따른 많은 변화가 있었지만 연못을 바다로, 돌을 폭포로 표현하듯이, 물, 돌, 식수, 경치라는 네 가지 요소로 구성된 정원을 만들어 왔다. 자연의 풍경을 표본으로 삼고 있는 일본의 정원은, 직선과 좌우대칭을 기본으로 한 인공적인 형식미를 보이는 서양의 정원과는 대조적인 모습을 나타낸다.

또 한국과 중국에서 전래된 불교와 도교 등 사상적인 영향도 일본 정원의 특징 중 빼놓을 수 없는 특징이다. 신선봉래사상에는, 불로불사와 영원한 번영이라는 뜻이 담겨져 있으며, 바다를 표현한 연못과, 선인이 산다는 봉래, 복과 행운을 주는 학・거북을 상징하는 돌을 가레산스이[枯山水]의 이시구미[石組]에 배치하는 형식이 정원에 많이 도입되었다. 이시구미는 현실과는 다른 세계를 표현하기 위하여, 자연석을 다양한 형태로 조합・배치하는 수법이다. 그리고 물을 일체 사용하지 않고, 백사와 자연석만으로 산수를 표현한 가레산스이는, 선종 사상의 영향으로 장식이 철저히 배제되어 마치 추상화를 연상시키는, 세계에서도 그 예를 찾아볼 수 없는 정원이다. 선종에서는 조경도 수행의 일부로 보고 있어, 선종 사원에는 수많은 가레산스이 정원이 만들어졌다.

2. 전통적인 기법과 화제를 지닌 일본화

● 고대인의 생활 미술과 불교 미술의 전래

일본미술은 동양미술권 내에서 일본화(日本畵)라는 이름으로 특징지어진다.

근세 이후의 일본미술의 전통은 메이지[明治]시대의 서구 문명의 이입으로 커다란 변동을 가져왔다. 역시 서양화의 섭취에 있어서도 다른 분야와 마찬가지로 주저하지 않았다. 오카쿠라 덴신[岡倉天心]이 지도적인 역할을 한 도쿄미술학교 및 일본미술원은 일본화를 주체로 한 일본미술의 근대화를 추진하는 중요한 기반이 되었다. 히시다 쓘소[菱田春草]·요코야마 다이칸[橫山大觀]·시모무라 간잔[下村觀山] 등은 일본화의 근대화를 개척한 대가들이다.

한편 다카하시 유이치[高橋由一]와 아사이추[淺井忠]는 서양인에게 양화(洋畵)를 배워 일본인의 취향에 맞는 작품을 그렸으며, 구로다 세이키[黑田淸輝]는 프랑스에서 배워 화단에 새로운 바람을 불러일으켰다. 이후 일본미술은 다이쇼[大正]·쇼와[昭和] 시대에 들어서 서양의 미술과 끊임없이 접촉하면서, 다채로운 작풍이 전개되었다.

畵 조몬 시대와 야요이 시대

조몬 시대에 사용하던 토기의 표면에는 조형 예술의 맹아(萌芽)라고도 할 수 있는 여러가지 모양으로 새겨진 선(線)이나 부조(浮彫)된 회화적(繪畵的)인 표현이 나타난다. 또 야요이 시대에 들어가면, 이러한 선으로 건물을 묘사한 토기 조각이 발견되고, 그외에 인물이나 가옥, 곡식 창고, 각종 동물이 그려진 토기나 동탁(銅鐸) 등의 유물이 많이 발견된다.

畵 고분 시대의 고분 벽화

3세기 말부터 7세기까지를 고분(古墳) 시대라 하는데, 이 시기에 들어오면 회화(繪畵)라고 할 수 있는 고분 벽화(古墳壁畵)가 나타난다. 주로 5～6세기의 분묘에 벽화가 많이 그려졌는데, 이 벽화들은 한반도와 지리적으로 가까운 기타큐슈 지방에 국한되어 있다. 이러한 고분에서는 원(円)이나 삼각형 등의 기하학적인 문양과 방패·활·칼 등의 무기, 가옥·배 또는 새나 말 등의 동물과 인물화도 보인다.

畵 아스카 시대의 불교 미술

아스카 시대에 들어와 대륙으로부터 여러 가지 화법이 도입되어 비약적인 발전을 이루게 된다. 즉, 6세기에 들어온 불교와 함께 불교 미술이 도입된 것이다. 백제로부터 불교와 함께 불교 미술의 수준 높은 기법이 지속적으로 전래되어 보다 높은 문화 단계에 도달하게 되었다. 이처럼 아스카 시대는 불교 미술이 개화(開花)한 시대로, 불교 회화는 백제 화공(畵工)들의 지도로 이루어졌다는 점도 중요한 사실이다. 아스카 시대의 회화 작품 가운데 현재 전해지고 있는 것으로는 호류지의 <다마무시노즈시>와 주구지의 <천수국수장>이 있다. <다마무시노즈시>는 불상을 안치하는 즈시, 즉 감실인데, 벽면에 투조한 조각이 장식되어 있다. <천수국수장>은 쇼토쿠 태자가 죽었을 때, 그 부인 중 한 사람이 태자가 극락에 왕생해 있는 모습을 보고 싶어하여 화가인 야마토아야노 마켄, 고마노 가세이, 아야노 누카코리 등을 시켜 만든 가로 1.3미터, 세로 1.3미터로 된 수예 작품이다. 그런데 이 세 사람은 중국계 또는 한국계의 화가였다.

畵 하쿠호 시대의 <금당 벽화>

하쿠호 시대의 회화를 대표하는 작품은 일본 회화사의 걸작인 호류지의 <금당 벽화>와 <다카마쓰즈카 고분 벽화>이다. 호류지의 <금당 벽화>는 하쿠호 미술의 걸작으로 꼽히는데, 크고 작은 20면의 벽화와 비천상(飛天像)을 그린 천장 밑의 12면 벽화, 나한(羅漢)을 그린 작은 벽화, 그리고 최근 발견된 오중탑(五重塔)의 벽화를 총칭하는 것이다. 벽화 속에 묘사된 여인들의 복장이 고구려 고분과 당나라 공주의 복식과 흡사하다고 하여 화제가 되었다.

畵 나라시대의 정창원

나라 시대에 수도인 헤이조쿄를 중심으로 하여 문화 활동이 이루어졌던 시기는 바로 쇼무 천황 때였다. 쇼무 천황은 국력을 총동원하여 대사찰인 도다이지(東大寺)를 건립하고, 이어서 전국 각지에 고쿠분지와 고쿠분니지를 설치하여 부처가 나라를 지켜 준다는 호국불교의 토대를 쌓았다. 또, 쇼무 천황의 유품은 도다이지의 창고인 정창원(正倉院)에 보관되어 현재까지 전해지고 있다. 이 시대의 회화 작품으로는 <마포보살상>·<기상호악도>·<수하미인도> 등이 있는데, 이 작품들은 모두 정창원에 소장되어 있다. <마포보살상>은 구름 위에 앉아 있는 보살상을 삼베 위에 먹으로 그린 것으로, 손의 포즈와 공중에 두둥실 떠 있는 듯한 기다란 옷자락, 그리고 그 아래의 구름이 입체감을 강하게 느끼게 해 주는 작품이다. <수하미인도>는 나무 아래에 있는 미인을 그린 것으로 <조모립녀병풍>이라고 한다.

● 국풍 문화와 일본적인 회화의 발생

헤이안 시대(784~1185)회화의 역사는 두 시기로 나눌 수 있다. 전기는 고닌⦁조간시대이며, 후기는 후지와라 일족에 의한 섭관 정치시기이다.

畵 헤이안 시대 야마토에의 확립

헤이안 시대 후기는 국풍 문화 또는 가나 문학으로 대표되는 시기로, 회화에서는 후지와라 불화(仏畵)나 야마토에(倭繪·大和繪)가 나타난 시대이기도 하였다. 이 시기는 아주 다양한 그림이 출현한 시기로 주목된다. 먼저, 우지의 뵤도인(平等院) 봉황당(鳳凰堂) 문에 그려진 <아미타래영도>라는 그림이 유명하다. 또, 와카야마현 고야산에 있는 <아미타래영도>가 유명하다.헤이안 시대 후기에는 ‘세속화(世俗畵)’라는 장르가 생겼다.

● 무사들의 미의식과 사회상을 반영하는 회화

가마쿠라 시대(1185~1333)의 회화는 헤이안 시대의 회화 기법을 계승 하면서, 한편으로는 송과 원의 그림, 즉 송원화의 영향이 두드러지게 나타는 시기이기도 했다. 헤이안 시대에 발생하였던 에마키 형식의 회화는 무사들이 정치의 중심에서 활약하는 시대가 되자, 전투장면을 묘사한 갓센에나, 소설의 내용을 소재로 하여 그린 모노가타리에를 중심으로 전개되었다.

畵 <기타노텐진연기> 두루마리

사사연기회 중에서 가장 뛰어난 것은 역시 <기타노텐진연기>라고 할 수 있다. 기타노텐만구의 주신(主神)인 기타노텐진은 스가와라 미치자네라는 실제 인물이 천신 신앙과 결합되어 형성된 신이며, 그가 천신이 되어 숭배받기까지의 경위를 그림으로 그리고 이야기를 적어 넣은 작품이다.

畵 고승을 그린 에마키

고승을 그린 그림으로는, 고잔지에 전해지는 <게곤종사에마키> 6권이나 간키코지 등에 전해지는 <잇펜쇼닌에마키> 12권이 가장 뛰어난 작품이라고 할 수 있다. <게곤종사에마키>는 게곤연기라고도 하는데, 조선 화엄종의 개조(開祖)인 원효 대사와 의상 대사의 전기를 그림으로 그린 것이다. <잇펜쇼닌에마키>는 가마쿠라 신불교의 한 종파인 시종(時宗)의 개조 잇펜의 전기를 그린 것으로, <가스가권현영험기에마키>와 더불어 가마쿠라 시대 두루마리의쌍벽을 이루는 작품이다. 이 <잇펜쇼닌에마키>는 사계절을 그린 사계회나, 유적지나 명승지를 그린 명소회의 계보를 계승하면서 풍속화로 그 영역을 확대해 간 작품인데, 야마토에에 새로운 필법으로 사물을 묘사한 채색이 뛰어난 두루마리이다.

畵 사실적인 초상화 니세에

가마쿠라 시대 회화의 특징으로 사실주의적인 초상화의 발달을 들 수 있다. 이러한 사실 정신에 입각한 가마쿠라 시대의 초상화가 바로 민화처럼 즉흥적으로 인상을 파악하여 그리는 그림인 니세에(似繪)이다 . 니세에로는 가마쿠라 초기의 초상화로 진고지(神護寺)에 전해지는 <미나모토 요리토모의 초상화>, <다이라노 시게모리의 초상화>, <후지와라 미쓰요시의 초상화>의 3점이 있다.

畵 갓센에마키는 무가 문화의 산물

가마쿠라 시대에 들어와 무사들이 중심이 된 전투 장면을 그린 그림이 등장한다. 그것이 바로 갓센에마키(合戰繪)이다. 도쿄국립박물관에는 <전구년갓센에마키> 1권과 <후삼년갓센에마키> 3권이 소장되어있다. 또 호겐·헤이지의 전란(戰亂)도 두루마리 형태의 그림으로 나왔는데, 현재 전해지는 것으로는 도쿄국립박물관이나 보스턴미술관 등에 보관되어 있는 <헤이지모노가타리에마키>가 있다.

畵 초창기의 수묵 산수화를 대표하는 민초와 조세쓰

교토 도후쿠지(東福寺)의 그림 그리는 화승(畵僧)이었던 민초는 불교 회화, 채색 초상화, 수묵 산수화 등 다양한 주제의 그림을 남겼다.조세쓰(如拙)는 교토 쇼코쿠지의 화승으로, 쇼군 아시카가 요시모치의 명령을 받들어 호리병으로 메기를 잡으려는 노인의 우화를 묘사한 <표점도>라는 그림을 그렸다. 이 그림에서는 수묵화 기법이 아주 체계적으로 적용되어 새로운 양식을 만들어 내었다. 그의 새로운 산수화 양식은 교토 쇼코쿠지의 유명한 화승 슈분(周文)이 계승하여 셋슈에게 전승해 주었다.

畵 셋슈

일본 수묵화는 일본적인 화제(畵題)를 묘사하여 이후 일본 회화가 나아갈 방향을 결정짓게 되는데, 이러한 일본 수묵화를 완성한 사람이 바로 쇼코쿠지 출신의 화승인 셋슈였다. 그의 스승 슈분이 중국 송(宋)·원(元)의 수묵화 전통을 일본화(日本化)했다고 한다면, 그 제자인 셋슈는 일본의 감정 표현을 첨가하는 데 성공했다고 평가되고 있다.

셋슈는 쇼군 아시카가 요시마사가 명나라에 파견한 사절단의 일원으로 견명선을 타고 중국에 들어갔다. 그는 일본 그림과는 전혀 다른 대륙의 웅장한 산수를 접함으로써 중국 회화 구도의 비결을 이해할 수 있게 되었다. 귀국한 그는 일본 전역을 여행하면서 산수화를 스케치했다. 이 여행을 통해 그는 일본 산수풍경에서 빠져서는 안 될 필수적인 요소를 포착하는 능력을 지니게 되었다. 그의 예술의 종합적인 결실은 유명한 작품 <산수장권>에 잘 드러나 있다.

또, <아마노하시다테즈>는 그의 예술이 절정에 이르렀음을 보여 준다.

畵 셋손

셋손(雪村)은 셋슈와 직접적인 관련이 없었지만 자신이 셋슈의 후계자임을 자부하고 그의 이름 한 자를 따서 셋손이라 하였고, 옥간(玉澗)·목계(牧谿)와 같은 중국 화가들과 슈분·셋슈의 작품을 연구하면서 자신의 작품 세계를 만들어 갔다. 그의 작품 <풍도도>는 자신의 심리 상태를 생생하게 표현한 것으로, 맞바람을 무릅쓰고 항해하는 선박의 모습에서 자신의 심리 상태를 잘 표현한 작품으로 알려져 있다.

畵 풍속화의 전개 - <낙중낙외도>와 쇼쿠닌즈쿠시에

무로마치에서 모모야마와 근세 초기에 걸쳐 이른바 근세 초기 풍속화라는 장르의 회화가 전개된다. 오닌의 난으로 불타 버린 교토는 새로운 도시 경관이 형성되었다.

이러한 교토의 새로운 경관을 파노라마 형식으로 묘사한 병풍 그림이 바로 <낙중낙외도>이다.

이것은 이른바 근세 초기 풍속화의 선구적인 작품이다. <낙중낙외도>는 후세의 도시경관도나 사사명승경관도에 큰 영향을 미쳤다. 또 우에스기 겐신에게 오다 노부나가가 1574년에 보냈다는 <낙중낙외도병풍>은 가노 에이토쿠가 그린 것이라 하는데, 전국 시대에 살았던 두 거물의 정치적·전략적 항쟁과 천하를 제패하기 위한 목표물인 교토의 경관, 그리고 장병화의 대가인 가노 에이토쿠의 젊었을 때의 작품 활동을 엿볼 수 있다는 점에서 아주 흥미로운 작품이다. 한편 헤이안 시대의 가선 그림, 즉 가센에의 계보를 이으면서도 무로마치 시대의 여러 종류의 직업에 종사하고 있는 사람들을 주제로 하여 그린 쇼쿠닌즈쿠시에(職人盡繪)가 등장하는 것은 가마쿠라에서 무로마치에 걸친 시기이다.

畵 이국 문물을 그리는 남만화

모모야마 시대에 이국 문화인 남만 문화가 유입되자 회화의 세계에도 영향을 미쳐 기독교와 관련 있는 종교화나 서양풍의 남만화(南蛮畵)가 그려졌으며, 남만 병풍(南蛮屛風)이 제작되기도 하였다.화제는 이들 서양인의 선박·선교사·흑인·코끼리 등이 중심이 되었다. 그외에 <태서왕사기마도>나 <서양도시도>, 그리고 <마리아 십오현의도> 등이 있다.

● 정통을 지키려는 화가와 새로운 전통을 추구하는 화가

畵 에도 시대는 다양한 유파의 발생기

에도 시대의 회화의 세계는 다양한 유파를 형성하였으며, 또 다양한 스타일의 그림을 낳았다. 그러나 이에모토 제도의 성립으로 인해 그림의 구도가 고정화되고 유형화되는 현상도 생겼다.오사카와 교토에서는 중국의 명나라와 청나라 회화의 영향을 받은 남화(南畵)나 마루야마파(円山派)가 탄생하였다. 서민들의 생활 감각을 잘 반영하고 있는 우키요에는근세 초기 풍속화의 영향을 받으면서 육필화(肉筆畵)로 가부키 배우들이나 가부키 장면 또는 풍경을 그렸고, 스모에 관한 인물화나 풍속화, 또는 야마토에 가운데 각 지방의 유서 깊고 아름다운 명소를 그린 명소회의 계보를 잇는 풍경화로 전개되어 갔다. 우키요에시(浮世繪)라고 불렸던 도시의 화가들이 실력을 다투어 판화 작품을 많이 제작하여 판매하며 도회지의 유행을 선도하였다. 또, 서양풍의 그림은 에도 막부가 기독교와 무관한 난서(蘭書)의 수입을 허가하자 그 가운데에 삽입되어 있던 동판화(銅版畵를 통해서 원근법이나 음영법 등의 서양화 기법을 습득하게 되었다.

畵 에도 시대의 가노파

가노파의 주류는 에이토쿠의 세 손자, 단유, 나오노부, 야스노부로, 이들은 에도 막부의 공식 어용 화가로 활약했다. 특히 단유에게는 교토의 니조조(二條城)을 장식하는 임무가 주어졌다.

이 성의 건물들은 모모야마 시대의 화려하고 거대한 궁전으로, 그중에 오히로마(大廣間)는 단유와 그 조수들의 작품으로 추정되고 있다. 가노 종가를 주축으로 하는 화가는 후스마에시(襖繪師)라는 직함으로 임명되었는데, 이 직함으로 임명된 가노의 집안을 중심으로 하는 에도 가노파 일족은 각 다이묘나 고위 무사계층 또는 부유한 상인들에게 그림을 그려 주었다. 그 결과 권위나 문벌주의에 집착하게 된 단유 이후의 가노파는 신선한 작품 태도보다는 전통을 중시하는 경향에 빠지게 되었다.

畵 다와랴야 소타쓰와 오가타 고린

소타쓰는 무로마치 시대의 세속화로부터 회화적인 발상을 얻었다.

그는 전통적인 야마토에 기법에 서민의 밝고 낙천적인 생활 감정을 담아 독창적인 경지를 개척했다. 요겐인(養源院)의 <무악도병풍>·<풍신뇌신병풍> 등은 주제의 자유스러운 해석, 기지에 뛰어난 합리적인 구도로 고전적 화두에 새로운 생명과 해석을 불어넣었고, 또 수묵화에서도 독특한 야마토에적 기법을 선보였다.오가타 고린은 소타쓰의 계승자라고 평할 수 있다. 그는 집안의 부를 바탕으로 사치스럽고 향락적인 생활을 마음껏 즐길 수 있었다. 그 결과, 그는 물려받은 재산 거의 대부분을 탕진하였고, 파산 상태가 되자 생계를 위해 본격적으로 그림을 그리게 되었다.도쿄의 네즈미술관에 있는 한 쌍의 병풍 <연자화도병풍>은 『이세모노가타리』의 내용 중에서 취한 것으로, 만개한 연자화를 황금색 바탕에 화려하게 묘사했다.그의 천재성은 한 쌍의 <홍백매도병풍>에 잘 나타나고 있다.

畵 문인들의 남화

당시에는 생계를 위해 또는 가업으로 그림을 그려 왔던 전문적인 화가들이 그림을 그리는 경우와, 귀족이나 승려 또는 부유한 상인이나 문인들이 여가를 이용하여 그리는 두 가지 경우가 있었다. 후자의 경우, 교양인으로서의 자부심을 그림에 표출시켜 직업적인 화가와는 다른 그림을 그렸는데, 이를 남화(南畵라고 한다. 이 일본 남화, 즉 문인화(文人畵)를대성시킨 사람이 바로 이케노 다이가이다. 그는 여유 있는 화풍 속에 일본적인 풍경을 그려 넣는 독특한 세계를 표현하였는데, 대표적인 작품으로 <누각산수도>가 있다.

畵 대중 판매용 그림 우키요에

우키요에의 ‘우키요’는 덧없는 세상, 속세를 뜻하는 말로 미인, 기녀, 광대 등 풍속을 중심 제재로 한다. 목판화를 주된 형식으로 대량 생산하여 서민의 수요를 충당했다. 근대 풍속화의 시작이라고 할 17세기 후반, 히시카와 모로노부菱川師宣는 출판 문화의 흥행에 따라 소설 삽화에 판화 고유의 아름다움을 표현했다.

畵 근세 이후 현대에 이르는 일본화

근세 이후 일본 미술은 서양 미술을 지향하기 시작했다. 회화의 경우에는 양화(洋畵)와 일본화(日本畵)로 대표되는 양풍 미술과 전통 미술의 양대 조류가 확립되었다. 미술 운동 지도자인 오카쿠라 덴신을 중심으로 전통적인 일본화의 미학을 재발견하고 새롭게 인식하자는 운동이 일어나 일반인들도 전통 미술에 대한 관심이 높아졌다. 요코야마 다이칸은 새로운 일본화의 영역을 개척하여 일본화의 영역을 확대하고 일본화의 리더로 활약하며 인기를 모았다.매년 개최되는 일본미술전람회는 일본 전국 규모와 권위를 자랑하는 최대 미술 전람회이다. 이 밖에도 일본화만을 대상으로 하는 대규모 전시회도 있다.

3. 서민들의 꿈과 풍속을 묘사한 우키요에

일본의 무로마치[室町]시대부터 에도[江戶]시대 말기(14~19세기)에 서민생활을 기초로 하여 제작된 회화의 한 양식. 일반적으로는 목판화(木版畵)를 뜻하며 그림내용은 대부분 풍속화이다. 그러나 우키요에라는 말은 일본의 역사적인 고유명사로, 보통명사로서의 풍속화와는 구별된다. 전국시대를 지나 평화가 정착되면서 신흥세력인 무사, 벼락부자, 상인, 일반 대중 등을 배경으로 한 왕성한 사회풍속·인간묘사 등을 주제로 삼았으며, 18세기 중엽부터 말기에 성행하여 스즈키 하루노부[鈴木春信]·가쓰가와 슌쇼[勝川春章]·도리이 기요나가[鳥井淸長]·기타가와 우타마로[喜多川歌磨]·우타가와 도요하루[歌川豊春] 등 많은 천재화가를 배출시켰다.

메이지[明治]시대(1868~1912)에 들어서면서 사진·제판·기계인쇄 등의 유입으로 쇠퇴하였으나, 당시 유럽인들에게 애호되어 프랑스 화단에 영향을 주기도 하였다.

대표적인 우키요에시와 그 작품

히시카와 모로노부

판화 제작자 히시카와 모로노부의 경력은 직물 디자인에서 시작되었다. 그는 도쿄로 옮겨가 가노파(狩野派)와 도사파(土佐派) 화풍을 익혔다. 이곳에서 그는 목판화를 한 장의 그림으로 독립시켜 내는 목판화 인쇄 기법을 개척하여, 우키요에(浮世繪) 장르의 아버지로 여겨진다. 1657년에 있었던 대화재의 잿더미 속에서 발견된 모로노부의 작품은 번영하고 활기에 넘치던 도쿄를 다양한 방식과 주제로 충실히 묘사하고 있다.

모로노부는 자신의 작품을 통해 탁월함의 새로운 기준들을 제시했다. 또한 그는 요시와라 유곽 지대와 가부키 공연장 등을 판화의 소재로 활용하여 성애를 다룬 작품이나 일상적인 도시 생활을 묘사한 작품으로 대중적인 인기를 끌어 모았다. 그래서 그의 작품들은 여타 그림들과는 다른 독보적인 지위를 차지했다.

기타가와 우타마로

‘우키요에’ 작품 중에서 가장 특징적인 부분으로 손꼽히는 것은 여성의 미를 대담한 구도로 포착해 표현한 ‘비진가’에 있다. 우타마로는 여성 얼굴의 아름다움과 부드러움 그리고 거기에서 풍겨 나오는 여성미 그 자체를 표현하려 애썼다. 선묘(drawing)를 단순화하고 색채사용을 억제하는 것을 통해 그는 자신만의 독자적인 예술적 효과를 발휘하게 된다. 그의 작품이 유럽에 소개된 것은 19세기 중엽 가량으로 특히 프랑스에서 갈채를 받으며 프랑스 ‘인상파’화가들에게 많은 영향을 끼치게 된다. 그의 작품에 강조되는 인물의 부분적 배치 구도로 인한 화면 여백 처리와 명암의 강조 등은 당시 유럽의 인상파 작가들에 많은 영향을 주었다. 유럽 인상파 작가들에게 영향을 끼친 이름바 ‘일본 영향’ 또는 ‘자포니즘’의 대표적 작가 중의 하나로 손꼽힌다. 1786년에서 1790년 사이에 매해 출판되었던, 18세기 후반에 유행한 에도 문학의 한 장르인 화려한 그림이 들어간 통속적인 시화집 ‘교카에혼’이었다. 이 시기에 ‘에도’서민문화는 세련미의 극치에 이르고 통속시 ‘교카’의 전성시대에 이른다. 재치넘치는 시인들은 인간 정서에 미묘한 감성이나 세태 풍자의 내용으로 시를 써내려가고, 이러한 통속시에 사람들은 열광하였다.

도슈샤이 샤라쿠

1794년 5월 일본의 에도 극장가에 혜성처럼 나타나 이듬해 2월 홀연히 사라져 버린 일본 회화사에서 최고의 화가로 인정받고 있을 뿐만 아니라 전 세계적으로도 다빈치, 라파엘로와 더불어 세계 3대 초상화가로 불리는 '도슈사이 샤라쿠(東洲齋寫樂)'.

화가로서 활동기간은 단 10개월로 매우 짧지만 200년이 넘은 지금까지도 수많은 화가와 예술가에게 영감을 주고 있는 신비의 화가이다.

도슈샤이 샤라쿠에 대해 알고 있는 것은 10개월의 활동기간과 그 때 남긴 140여점의 우키요에 작품이 전부이며, 언제 태어나 언제 죽었는지, 어디서 와서 어디로 갔는지는 아직까지도 미스테리로 남아 있다. 놀라운 것은 이 세기의 천재화가가 조선의 첩자일 가능성이 매우 높다는 것이다. 그의 화풍이 당시 유행하던 일본 판화에서는 찾아볼 수 없는 기법이라는 점, 같은 시기 활약한 조선화가들과 필선이 유사하다는 점, 그 무렵 조선의 왕이었던 정조가 화공들을 비밀리에 간자로 훈련시킨 기록 등이 이같은 주장을 뒷받침하고 있다. 1788년 당시 단원의 스승이었던 김응환이 정조의 왕명을 받고 몰래 일본의 지도를 그릴 임무를 띠고 떠날 때 단원이 수행하였으며, 일본으로 가는도중 부산에서 김응환이 병에 걸려 죽자 단원 혼자 대마도에 잠입하여 일본지도를 모사하여 가지고 돌아와 정조에게 바친 일은 유명한 역사적 사실이다.

이런 역사적 사실을 가지고 소설가 김재희는 2008년 "색, 샤라쿠(色, 寫樂)"란 팩션 소설을 발표하였다. 작가는 실제로 인사동 고서점 골목의 한 헌책방에서 찾은 작은 책자인 '색, 샤라쿠'를 그대로 소설 제목으로 삼고 살을 붙여 이 소설을 완성했다고 한다. 이 책자에는 한문과 고어로 김홍도, 신윤복 등 18세기 조선화인들의 이름과 일본 지명들이 간간이 씌어 있었다.

판화가 도슈샤이 샤라쿠의 천재성은 1890년 파리의 에콜 드 보자르에서 열린 '일본판화전'에서 전시된 그의 그림을 보고 프랑스의 인상주의 점묘파 화가로 유명한 앙리 드 툴루즈 로트렉이 남긴 다음과 같은 말에서 알 수 있다.

"나의 스승은 벨라스케스와 고야, 그리고 일본의 위대한 예술가 도슈샤이 샤라쿠다."

툴루즈 로트렉의 이런 말이 있은 후 샤라쿠의 그림은 유럽 미술계에 본격적으로 알려지게 되었으며 마네, 모네, 드가와 같은 전기인상파 뿐만아니라 고흐로 대표되는 후기인상파에도 큰 영향을 미치게 되었다.

가쓰시카 호쿠사이

가쓰시카 호쿠사이 (葛飾 北齎, September 23, 1760 – May 10, 1849)는 일본 에도시대의 화가 대가 중의 한 사람으로 유 끼 요에 (浮世繪)를 발달시킨 판화가이다. 이번 달에 워싱턴에 있는 Sackler Gallery에서 그의 유명한 후지 산의 36경 (富嶽三十六景)을 전시하고 있다. (여기 보여주는 slideshow에는 그의 후지 산 판화가 전부 45장 들어있다. 1830년대에 정판으로 발표되 었던 36景 외에 그후에 발표된 9장이 더 들어 있다. 그는 후지 산을 배경으로 한 판화를 100편쯤 그렸다.) 그의 유명한, 그리고 많은 사람이 모방한 "거대한 파도"며 "붉은 후지 산"등이 이 36장의 판화 중에 있다. 자연과 일반 사람들의 생활을 그려서 그림에 생동성을 넣어준 판화가이다. 그는 그림 그리는 것에 일생을 바친 사람이다. 그의 전기를 쓴 세이지 나가타의 의하면 그는 이렇게 말했다고 한다. "나는 여섯 살 때부터인가 일상생활에서 보는 것을 그리기 시작했다. 나는 화가가 되었고 쉰 살이 되었을 때부터 사람들이 나의 작품을 알아주기 시작했다. 하지만 내가 일흔이 되기 전에 내놓은 작품은 별로 들출만한 것이 없다. 일흔 세 살이 되었을 때 비로소 나는 새, 짐승, 벌래, 물고기의 형상을, 그리고 식물이 어떻게 자라는지 터득하기 시작했다. 아마 이대로 계속하면 여든 여섯쯤 되면 좀 더 정확히 알 수 있을 테니 아흔 살이 되면 그것들의 본질을 깊숙이 통찰 할 수 있을 것 같다. 아마 백 살이 되면 진실로 명확히 자연을 알 수 있을 것 같고, 백 서른, 마흔, 그 이상이 되면 내가 그리는 점, 획 하나하나가 살아 있을 것이다. 내가 오래 살아서 이 말이 거짓이 아니라는 것을 증명할 수 있다면 얼마나 행운일까." 그는 또 임종 시에 신이 그에게 10년, 아니 5년만 더 준다면 진실한 화가가 될 수 있을 것이라고 졸랐다고 한다. 몇 달 전에 Katherine Govier가 쓴 "The Printmaker's Daughter"라는 책이 있다. 이 책은 가쓰시카 호쿠사이의 딸인 가쓰시카 오이(葛飾應爲 「お榮」)를 주제로 한 소설이다. 가쓰시카 호쿠사이를 평생 보좌하면서 그의 수제자였던 "오이"는 19세기 일본의 페미니스트이었다. 가쓰시카 호쿠사이의 노년기에는 그의 "유령화가"였다고 전해지고 있는 가쓰시카 오이가 남긴 판화로 보면 그녀 역시 유 끼 요에의 대가 였다고 느낄 수 있을 것이다.

안도 히로시게

일본 우키요에[浮世繪] 판화의 대가 중 한 사람으로 꼽힌다. 도쿠가와[德川] 막부시대의 하급 사무라이 집안에서 태어나 소방조(消防組)의 자리를 세습하였다. 당시 대부분의 사무라이가 부업을 가졌듯이 소방조이던 히로시게도 화가를 부업으로 삼았다. 17년 동안 우타가와 도요히로[歌川豊廣] 문하에서 공부하였는데, 도요히로가 사망한 1828년까지는 배우와 미인을 주제로 한 판화만을 제작하였다.

도요히로가 사망한 뒤 풍경화로 눈을 돌린 히로시게는 대표작으로 일컬어지는 풍경판화 시리즈를 제작하기 시작하였다. 1831년에는 10점의 판화로 구성된 에도(지금의 도쿄) 풍경화 시리즈 《도토메이쇼[東都名所]》를 출판하였는데, 섬세한 필치와 색상의 조화, 서정적이고 시적인 분위기가 뛰어나다. 이같은 특징은 1834년에 완성한 《도카이도 고주산쓰기[東海道 五十三次]》 시리즈를 통해 한껏 무르익고 작품의 전형으로 자리잡았다.

1856년에는 총 118점에 이르는 판화 시리즈 《메이쇼에도햑케이[名所江戶百景]》 제작에 착수하였다. 이 판화 시리즈는 2년에 걸쳐 완성되었으며 일반적으로 제작시기에 따라 순서를 매기는 방식과 달리 봄·여름·가을·겨울의 사계에 따라 순서가 매겨졌다. 시리즈에는 에도의 계절별 풍광뿐만 아니라 당시의 풍속과 생활상이 특유의 과감한 구성과 섬세한 필치로 잘 담겨 있다. 시리즈 제작 중 사망하여 총 118점 중 그가 만든 작품은 115점이고 나머지 3점은 제자들이 제작하였다.

우키요에는 출판사, 화가, 호리시(목판을 깎는 사람), 스리시 (판화를 찍어내는 사람)의 공동작업으로 완성됩니다. 순서는 다음과 같다.

1) 출판사가 기획을 세운다.

2) 화가가 먹으로 밑그림을 그린다.

3) 출판사가 정부의 출판허가를 취득한 후, 호리시에게 넘긴다.

4) 호리시는 밑그림을 목판에 뒤집어서 붙인 후, 윤곽선의 판을 깎는다.

5) 스리시가 먼저 먹으로 문지른다.

6) 화가가 색을 지정한다.

7) 호리시는 지정된 색에 따라 색판을 깎아 색의 수만큼 목판을 만든다.

8) 스리시는 주판과 색판에, 화가의 지시에 따라 테스트를 한다.

(주판과 색판을 이용하여 수차례 비벼서 찍어내는 작업을 반복해서 작품을 완성시키는데 이를 쥰즈리 라고 합니다.)

9) 화가의 승인을 얻은 후, 스리시가 판화를 찍는다.

10) 완성된 그림들을 가게에서 판매~!

4. 실용성과 예술성을 추구하는 도자기

● 도자기란 무엇인가?

도자기는 변형하기 쉬운 점토로 원하는 모양을 성형하여 고온으로 구워내 딱딱해진 기물로서, 비교적 낮은 온도로 구운 것을 토기, 그보다 숙련된 기술을 구사하여 높은 온도로 구운 것을 도기, 고도의 기술로 매우 높은 온도를 낼 수 있는 가마에서 구운 것을 자기라고 한다.

일본에서 도자기는 세토 지방에서 많이 생산하며, ‘세토모노‘라고도 불리며 또한 구워 낸 물건이라는 뜻으로 ’야키모노’라는 용어도 많이 쓰인다.

● 일본 도자기의 역사

일본에서는 선사시대에 조몽식[繩文式] 토기 등이 만들어졌으며, 5∼6세기경에 물레에 의한 성형이 시작되었다. 이것을 스에기[須惠器]라고 하며 낮은 비탈에 가늘고 긴 구멍을 뚫어 가마로 사용하였다. 유약을 입힌 최초의 도자기는 당삼채를 본떠 만든 저온소성의 도기로 나라삼채[奈良三彩]라 부른다. 헤이안[平安]시대부터 가마쿠라[鎌倉]시대에 걸쳐서 중국의 도자기 기술이 전파되어 세도[瀨戶] 지방에서 중국풍의 도기가 만들어지기 시작하였다. 일본의 도자기가 급격하게 발달된 것은 임진왜란 때 도요토미 히데요시[豊臣秀吉]의 부장들이 한국의 도공들을 인질로 데리고 귀국하여 가마를 축조하고, 도자기를 제작하게 한 데서 비롯되었다.

현재에는 그 후예들에 의하여 규슈[九州] 지방을 중심으로 일본 각지에서 대량으로 생산되고 있다. 그 후 메이지[明治]시대에 들어와서 독일의 바그너가 일본에 들어와 새 기술을 가르치고, 일본인도 해외에 유학하여 유럽의 새로운 도자기 제조기법을 배워 가지고 귀국함으로써 석탄을 연료로 하는 새로운 양식의 가마, 석회를 이용한 유약, 석고틀에 의한 기계물레 성형 등을 시작하게 되어 서양풍의 새로운 기술이 들어오게 되었다. 그 후에도 꾸준히 외국의 기술을 도입하는 데 주력하여 현재에는 서양식기의 주생산국으로 발전하였다.