REPORT

과 목	일본문화의 이해
담당교수	최 장 근 교 수
주 제	일본의 영화
학 과	경 영 학 과
팀 명	카타르시스(8 조)
조원	오 현 석 이 석 현 이 나 은 황 보 승 미 안 진 신 상 혁 이 지 윤 김 유 리

목    차

1. 영상문화와 극영화

2. 무성영화

3. 토키영화

4. 전쟁영화 & 전후영화 시대

5. TV등장과 영화산업의 변화

6. 1980년대 이후 현대 일본문화

7. 시대극 전통

8. 일본 영화의 장르

1. 영상문화와 극영화

1) 영화문화의 도래와 산업정착

1893년 3월 13일 토머스 에디슨에 의해서 움직이는 사진영화기 『키네토스코프』발명 이 되었으나 오늘날의 영화와는 다른 개념이다. 그 후 1895년 2월 13일  프랑스의  뤼미에르 형제 가 영화 기구 『시네마토그래프』를 발명 하였다. 그리고 좀 더 기계적인 보완을 한 뒤 그해 12월 28일 처음으로 대중에게 상영하게 된다. 『시네마토래프』 는 에디슨의 발명품과는 달리  프로젝션 시스템으로 개조 되어 스크린  위에 영사 할 수 있어서 여러 사람이 동시에 영화를 감상할 수 있게 되었다.

그 후 일본에서는 에디슨의 발명품인 『키네토스코프』을 1896년에 받아드려 왕족과 귀족들 에게 영화를 접하게 되었고 3년 뒤 뤼미에르 형제의 『시네마토그래프』 가 도입됨으로 대중들에게도 영화가 공개가 되었다.

일본의 최초의 영화는 프랑스인과 같이 만든 것이다. 그러나 일본인들은 그들이 기술이 바탕인 영화제작을 원했고 고마다 고요 와 시비타 쓰비요시 는 일본인이 제작한 최초의 영화인 『번개 강도』를 제작하였다.

그 밖에도 영화를 제작하는 것이 유행처럼 번져 1899년 시비타 쓰네요시 는 가부키 연극을 소제로 한 『단풍구경』 이란 영화를 제작하여 상업적으로 전국 순회공연을 돌아다녀 큰 흥행을 하게 된다.  외국영화를 수입하여 영화교역의 터전을 마련했다.  한편 영화의 볼거리가 다양해져 관객 수가 늘어나  1903년 도쿄의 아사쿠사 전기관 이라는 최초의 영화상영관이 만들어 지며 전국적으로 영화상영관 이 만들어 졌다.

또한 이때 에는 영화의 해설을 돕기 위한 변사라는 직종이 나타났다. 변사는 다른 나라엔 없는 일본에만 존재한 직업이다. 1930년 발성영화 시대가 도래할 때까지 존속 되었다. 1900년대 들어와서는 영화를 전문적으로 제작하거나 흥행을 하는 회사들이 증가하게 된다. 흥행을 하여 막대한 자본을 축적한 흥행업자들은 영화를 전문적으로 제작할 수 있는 촬영소 건설이 늘어나게 되었다. 그 후 1900년대 말기에 들어와서 영화는 하나의 확고한 영상산업으로 정착되어 갔고 영화를 제작하는 회사들이  날로 증가하였다. 1950년대 국제영화제에서 여러 작품상을 수상하였다. 일본의 영화가 세계적으로 인정받았고 여러 나라에게 이목을 끌며 일본영화 산업의 전성기를 맞게 되었다.   영화가 가장흥행한 때는 1960년 전후한 2,3년간 일본영화최고의 전성기였다. 1960년은 연간 547편의 영화가 제작되었다.

이렇게 잘나가던 영화산업은 쇠퇴하기 시작한다. 바로 TV의 보급 때문이다. 이제 더 이상은 영화관에 가지 않아도 볼 수 있었고 TV를 통해 드라마나 만화 등 볼거리가 많아졌기 때문이다.

2) 극영화의 성립

극영화 첫 작품으로 30분 이상의 긴 상영 시간을 가진 〈나의 죄〉를 1908년에 제작했고, M파테사도 〈소가 형제의 수렵장〉 1909년에  제작했다. 이 영화들은 일본의 극영화로 흥행하였다. 일본 초기의 극영화 들은 거의가 가부키의 이야기를 영화화한 경향이 뚜렷했다. 가부키는 각양각색의 소재의 이야기를 가지고 있었으며 특히 악당과 싸우는 영웅적인 인물이 대부분이기 때문에 서민들이나 어린이들의 취향에 잘 맞았다. 이러한 요소 때문에 너도 나도 가부키 영화를 제작하는 것이 유행처럼 번지고 있었다. 1910년대에 들와서는 새로운 형식의 영화들이 만들기 시작하고 신파극과 가부키와는 대별 된다. 여러 영화 제작소에서 만든 촬용소를 이용하여 현대극 영화를 촬영하게 되어 당시에 현대극은 신파극으로 불리고 가부키는 구극이라고 불리게 된다. 신파극은 주로 남녀가 서로 사랑을 나누며 연애를 하거나 서로의 사랑에 시련이 찾아와 힘들어 하다가 결국 비극적 결말을 이루는 내용 가지고 있는 것이 특징이다.

이러한 신파극의 유행은 19세기 말 서구의 신사상이 들어와 일본사회의 봉건성과 서구의 자유, 사랑의 가치관이 갈등을 빚어내게 되는 것이 극영화에도 스며들게 되어 1912년 『춘풍각』,『사람의 꽃』 등과 같은 작품이 나온다. 1918년 가에리야마 노리마사 감독은 『생의 빛』 과 『심산의 처녀』 등을 제작하여 혁신영화의 선두를 달려 유일하게 외국으로 수출을 시도한 실험적인 영화이기도 했다.

2. 무성영화

1) 리얼리즘 영화와 무성영화의 황금기

1920년대 일본의 영화계는 다양한 변화를 맞이하게 된다. 1910년대 말부터 도입되기 시작한 영화의 모더니즘은 영화를 더욱더 현대적으로 발전시켰고 영화의 내용도 1910년대 단편에서 벗어나서 장편화되면서 영화의 모습은 점차로 현대화되어 갔다.

당시 도쿄에 촬영소를 가지고 있었던 닛카츠, 쇼치쿠 등의 영화제작회사는 관동대지진 이후 교토나 오사카 지방으로 거점을 옮기면서 일본영화의 제작이 이 지방들을 중심으로 집중되는 영화제작시대가 시작된다. 또한 이때부터 시대적인 여러 가지 요인들로 인하여 일본영화는 혁신기로부터 성장기에 이르게 되며, 여러 유명 감독들이 등장하여 1930년대 초 영화에 토키가 도입되는 시기까지 순탄한 무성영화의 황금기를 맞이하게 된다.

1920년대 초기에는 리얼리즘 영화가 등장하고 있는 것이 특징이다. 1923년에 만들어진 스즈키 켄사쿠 감독의 『떠돌이 여공대』나 『인간고』, 그리고 오즈야 스지로 감독의 『안개의 항구』가 제작되면서 리얼리즘 영화의 시작을 알리게 된다. 리얼리즘 영화는 소재의 특성상 현대극의 전형성을 주장하는 영화들로서, 구시대적인 산물인 봉건적인 습관을 타파하고 새로운 사상의 기운을 영화에 도입하려고 시도하였다.

1920년대 이전의 영화들은 대부분 고단이나 가부키의 이야기를 영화화하였으나 1920년대 초 등장한 영화들은 근대소설을 배경으로 하는 특징을 가지고 있으며, 현대적이고 신시대적인 사고에 초점을 맞추고 있어서 행동이나 사상에 자유로운 입장을 취하고 있다.

그 밖에도 1920년대 초에 등장한 시대극의 리얼리즘은 일본영화의 발전에 중요한 획을 설정하였으며, 일본 시대극의 기본 형식을 구축한 것으로 평가되어 중요한 의미를 가진다.

2) 모더니즘 영화

영화의 모더니즘을 부르짖었던 감독으로서 무라타 미노루는 계속하여 현대극 영화의 감독으로 자리를 굳히면서 1924년, 집안의 몰락으로 기생이 된 여인의 삶을 묘사한 『오미쓰와 세이부로』를 감독하였다. 그리고 1924년에 감독한 영화 『세이사쿠의 아내』는 일견 반전영화라고 일컬을 정도로 작가의 사상적인 모더니티를 가진 영화였다.

위 작품들은 사랑을 묘사하는 현대극의 이야기로 구성되어 있지만 두 작품 모두가 동반자살이라는 소재를 다루고 있으면서, 죽음을 정감 넘치는 사랑의 결말로 묘사하고 있다는 점에서 당시의 현대극 영화에서는 찾아보기 힘든 모더니티를 가지고 있다.

3) 서구적 영화의 등장

한편 미국영화에 길들여진 일본관객들은 당시 서구적인 소재에 더 흥미를 갖고 있었다. 그러한 관객들을 불러 모으기 시작하여 소치쿠 회사에서는 젊은 감독을 양성하고 미국적인 경향의 영화를 생각하게 된다. 이들이 생각하고 있는 미국적인 영화는 당시 유행하고 있던 유니버설 형식의 영화였다.

당시 미국영화의 전형처럼 생각하고 있었던 이 영화는 행복한 가정을 위해 노력한다는 내용으로 농민이나 주로 도시의 하층계급이 모델이 도어 있는 영화들이 주종을 이루면서 인기를 얻고 있었다. 이들 영화는 목가적이고 전원적인 분위기가 가득했으며 주인공들을 통해 추구한 영화의 중심소재는 순박하고 착한 주인공들과 그들이 겪는 아름다운 사랑, 그리고 센티멘털한 정의의 정서였다.

이러한 외국영화에 대한 동경으로 몇몇 젊은 감독들이 서구적인 영화를 만들게 된다. 이들 젊은 감독들이 주장한 가마타류의 영화는 인생을 직시하고 중산계급을 격려하는 것이며, 또한 부르주아의 반성을 촉구하는 냉용이 많았고 한편으로는 희망과 휴머니즘을 갖고 있는 소재들이 많았다.

4) 시대극의 변화

1920년대의 시대극은 현대화의 움직임에 따라 오리지널 시나리오로 영화제작을 하거나 대중소설을 기반으로 만드는 경향이 뚜렷해진다. 또한 이 시기에는 현대물 영화의 장르가 다양해지면서 영화에서는 모더니즘의 기조가 확립되고 영화는 예술의 표현양식으로 발전하고 있었기 때문에 작가의 사상을 나타내는 것이 상식화되고 있었다.

이 시기에는 작가 자신의 주체성을 가지고 개성 있는 스타일을 창조하는 시대극을 제작하게 되는데, 주인공의 정신세계에 입각한 히로이즘의 확립을 주 목적으로 생각하는 영화가 등장함으로써 시대극도 한의 예술적이고 사상적인 기반을 갖추게 된다.

또한 쓰지 기치로 감독의 『가사바리 검법』, 기누가사 데이노스케 감독의 『여명이전』과 같은 영화들은 권력을 가진 자들과 그들의 횡포를 여실히 비판하고 있어 사회개혁 사상을 강조하고 있는 전형적인 프롤레타리아 혁명성을 강조하고 있는 영화들이었다.

이러한 경향영화의 등장은 당시의 프롤레타리아 문학이나 연극운동의 영향을 받고 있었으나 그러한 영향이 당시 영화계에 종사하던 시나리오 작가들에게 나타나서 프롤레타리아 경향성을 가진 시대극으로 변화한 것이라고 할 수 있다. 따라서 시대극의 경향성은 하나의 작가적인 개성을 강조하고 있었던 시대의 유행처럼 시작되어 나름대로 혁신적인 작가정신을 도입하여 구축한 새로운 시대극 사조의 영화라고 생각할 수 있다.

3. 토키영화

1) 토키의 정의

영상이 상영될 때 음성ㆍ음악 등의 사운드가 함께 나오는 영화를 가리키며, 발성영화(talking picture)라고도 한다. 유성영화는 사운드가 들어가는 영화를 총칭하는 반면, 토키는 음성대사가 들어간 유성영화를 가리킨다는 점에서 구분된다. 토키라는 용어는 유성영화가 나타나면서 말하는 영화라는 뜻으로 무성영화와 비교해 사용한 용어이다.

유성영화의 상업화가 본격적으로 나타난 것은 1920년대 후반이다. 대사가 녹음된 유성영화인 토키는 처음에는 단편영화에서만 나타났다. 초기 장편영화들은 음악이나 효과음 등의 소리만 부분적으로 녹음되었다.  최초의 유성영화에서의 사운드는 오늘날과 같이 필름상의 사운드 트랙이 아니라, 영사기의 외부에 별도로 영화의 장면과 일치하는 소리를 녹음한 레코드판을 준비해 놓고 영사 시작에 맞추어 기사가 동시에 바늘을 올려놓는 원시적인 (레코드 식(sound-on-disc) 방법이었다.

영화 전체가 토키로 만들어진 최초의 장편영화는 『재즈 싱어』(1927년)다. 레코드식 방법은 곧 필름 자체에 소리를 녹음하는 필름식(sound-on-film)이 발성영화의 표준이 되었다.

2) 사운드 도입의 배경과 영향

① 배경

사운드 도입의 역사적 배경에는 제1차 세계대전이 있다. 전쟁은 영화 기술 발달의 견인차로 작용했다. 전쟁의 효율을 높이기 위해 발달될 수밖에 없었던 전화와 통신 기술의 발달은 전후 1920년대 사운드 재현 기술의 발달에 크게 기여했다. 이는 당시 라디오 등 새로운 기술 매체가 등장한 것과도 연관된다.
영화 기술의 혁신은 언제나 산업의 필요와 맞물리게 되었다.

② 도입

최초로 영화에 사운드를 도입한 것은 당시 비교적 소규모 영화사였던 워너브러더스가 사운드의 도입에 적극적으로 나섰다. 그들은 스튜디오와 극장 체인을 확장하고 메이저 영화사로 도약하기 위해 유성영화에 과감히 투자했다. 사운드의 도입은 할리우드 스튜디오 시스템의 정착과 영화 오락의 부흥이라는 산업적 요청의 결과이기도 했다.

③ 사운드도입의 초기 반응

처음에 사운드가 필름에 통합되었을 때, 무성영화 시대의 많은 뛰어난 감독들은 반대의 목소리를 높인다. 사운드는 이미지의 표현 미학을 파괴할 수 있다는 것이다.

몽타주 기법의 대가 세르게이 예이젠시테인(Sergei Mikhailovich Eizenshtein)의 경우, 사운드의 도입이 이미지의 편집을 방해한다고 보았다. 그의 생각에 유성영화는 숏들을 충돌시키고 이미지를 운율적으로 편집함으로써 새로운 상징적 의미를 창출하는 이미지의 예술이 아니었다.

유성영화는 인물의 목소리와 대사에 집중하는 연극적 재현으로 후퇴하는 것이라고 생각했다.

자막 편집 기사로 일한 바 있던 알프레드 히치콕(Alfred Hitchcock)도 유성영화를 반대했다.

비록 나중에 사운드를 가장 잘 이용하는 감독 중 하나가 되었지만, 처음에 그는 영화의 본질은 무성영화라고 생각했다. 추적 장면의 긴박감과 심리적 긴장감을 고조시키기 위해서는 대사나 음향의 개입보다 이미지의 편집이 더욱 효과적이라는 것이다.

찰리 채플린(Charles Chaplin)의 경우도 초기에 사운드의 도입을 완강히 거부했다.

그의 뛰어난 무성영화들은 주로 배우 몸의 과장된 움직임과 시각적 이미지에 의존했기 때문에 대사와 음성에 의존하는 유성영화의 연기 스타일과 조응하기 힘든 것처럼 보였다.

그런데도 그는 〈위대한 독재자(The Great Dictator)〉(1940), 〈라임라이트(Limelight)〉(1952) 등 뛰어난 유성영화를 남겼다.

이처럼 초기에 많은 뛰어난 작가들이 영화의 사운드를 폄하한 데는 어느 정도 타당성이 있었다. 무엇보다 사운드 도입의 초기에 기술적 한계가 존재했다. 당시의 동시녹음 기술로는 배우가 카메라 옆을 멀리 떠날 수 없었기 때문이다. 카메라와 배우 움직임의 제약은 무성영화가 발전시켜왔던 이미지 표현력을 크게 손상시켰기 때문이다

④ 영향

사운드의 도입은 할리우드 영화 산업을 확고히 뿌리내리는 데 이바지한다. 경제적인 측면에서 유성영화는 비용의 절감과 수익의 확대를 불러왔다. 사운드의 도입은 촬영 장면과 배우의 수를 줄이고 대사의 길이는 늘리는 결과를 낳았다. 이는 영화 촬영의 일수를 줄이고 인건비를 감소시킴으로써 제작비의 절감과 영화사 수익의 증대를 가져왔다. 무엇보다도 유성영화에 대한 대중의 호응은 영화사의 규모를 확대시켜 주었다.

사운드의 도입은 영화 예술의 미학적 전환을 유발했다. 무성영화에서 관객은 소리 없는 이미지, 배우의 움직임, 조명, 미장센에 주목한다. 그러나 유성영화의 관객들은 이미지 그 자체보다는 그에 연동된 소리에, 배우의 액션보다는 대사에, 조명과 미장센의 효과보다는 스토리와 인물의 캐릭터에 더욱 주목할 수밖에 없다. 또한 무성영화에서 자막이 배우와 관객의 완전한 정서적 일치를 가로막는 장치의 하나로 기능했다면, 유성영화에서 대사는 영화적 디제시스의 공간 속에 관객이 정서적으로 동일시되는 주요한 장치로 기능한다.

3) 토키영화의 발전

① 최초의 토키영화 (유성영화)

1927년 최초의 유성영화 〈재즈싱어〉는 영화 사운드의 기계적 재생을 통해 관객을 매료시켰다. 최초의 유성영화 〈재즈싱어〉는 단지 몇 장면만이 음향과 목소리를 담고 있지만, 그 반향은 대단했다. 이미지와 사운드가 기계적으로 매칭된다는 사실이 중요했다.

하지만 오늘날에는 『재즈 싱어』는 완벽한 의미에서 토키 영화라고 하기에는 무리가 있다고 평가하고 있다 그이유로는 전체적으로는 무성영화처럼 거의 모든 대사가 긴 자막으로 처리된다. 노래를 부르는 장면만 사운드를 입혔다. 무성영화적인 스타일과 유성영화의 일부를 오가면서 영화가 진행된다. 전반적인 촬영이나 연기, 카메라워크는 아직도 무성영화적인 관습에서 벗어나지 못했기 때문이다.

② 일본토키 (유성영화)

일본은 할리우드의 스튜디오 시스템을 모방해 스튜디오를 만든 일본의 영화사들은 한 해 평균 400~500편에 달하는 작품을 생산하는 왕성한 활동을 보였다. 1930년대 스튜디오 시기를 거치면서 오늘날 거장으로 평가받는 감독들이 활동을 시작했는데 미조구치 겐지(溝口健二) 감독은 〈기온의 자매들〉(祈園の姉妹, 1936), 〈나니와 엘레지〉(浪花悲歌, 1936), 〈마지막 국화 이야기〉(殘菊物語, 1939) 등에서 탁월한 화면 구성 감각을 보여 줬고 오즈 야스지로(小津安二郞) 감독은 〈태어나 봤지만〉(生れてはみたけれど, 1932), 〈작심〉(作心, 1933), 〈외아들〉(1人の息子, 1936) 등의 선구적인 작품을 연출하기도 했다.

1930년대 사운드의 도입은 일본 영화에 큰 변화를 가져왔다. 유성 영화를 제작하기 위해서는 무성 영화보다 많은 제작비가 요구되었기 때문에 결국 토키의 도입은 일본 영화 제작 자본의 거대화를 유도하게 되어, 소규모 독립 프로덕션들은 비교적 자본 규모가 큰 쇼치쿠나 니카츠 등에 흡수 합병됐다.

1930년대 일본 영화 중에는 세상살이의 어려움을 극복하고 하루하루를 살아가는 소시민의 애환을 소재로 한 소시민 영화들이 많았는데 대표적인 영화가 오즈 야스지로 감독의 〈태어나 봤지만〉이다. 리얼리즘 계열의 소시민 영화들은 당대의 서민 생활을 묘사하면서 대불황 속에서 참담하고 빈곤하게 살아가고 있는 일본인들의 모습을 현실적으로 표현했다.

31년에는 일본 최초의 토키(발성)영화 《마담과 아내》(고쇼 헤이노스게 감독)가 제작되었다. 토키영화시대의 개막 이후 다사카 도모타카[田坂具隆] ·도요다 시로[豊田四郞] ·나루세 미키오[成瀨巳喜男] 등의 감독이 등장하는 가운데 1937년에는 도호[東寶] 영화사가 새로이 출범하여 ‘닛카쓰’ ‘쇼치쿠’와 더불어 3사 정립시대가 열리고, 문예영화가 유행하는 등 첫 황금기를 맞이하는 듯하였다.

그러나 곧 일본의 군국주의자들이 중국 침략전쟁을 도발하고(1937), 이어서 태평양전쟁을 일으키자(1941), 일본영화는 정부의 철저한 통제 아래 들어가 침략전을 합리화하고 전의(戰意)를 고취하는 도구로 전락해 버리게 된다 .

4. 전쟁영화 & 전후영화 시대

일본 영화의 첫 번째 전성기는 1939년 10월 영화법에 의해 사전검열이 시작되고 제작 및 배급에 정부의 허가를 받도록 하면서 끝이 난다. 이시기 최대의 히트작은 야마모토 가지로가 감독한 [하와이 말레이 해전](1942)이 있다. 『하와이 말레이 해전』은 해군성이 미국의 진주만 기습공격을 기념하기 위해 영화를 제작하도록 요구해 만들어진 영화로, 소년 비행병들의 훈련을 세미 다큐멘터리적인 기법을 사용하여 묘사한 것이다.

중일 전쟁을 도발한 군국주의정부는 영화를 전의를 고취하고 국민의 희생을 합리화하는 도구로 이용한다. 예도물 장르, 미야모토 무사시를 필두로 한 무사영화, 전쟁 관련 뉴스 영화가 주를 이루었다. 예도물이란 예술을 위하여 자기희생을 참아내는 이야기로써 전쟁을 준비하는 일본 국민의 희생을 암시적으로 고양하려는 목적에서 제작되었던 장르를 말한다.

1) 미군 점령하의 계몽 영화

제 2차 세계대전에서 패전한 뒤, 영화 검열은 맥아더의 점령군 사령부(GHQ)가 맡았다. GHQ는 영화에 군국주의를 털어내고 자유민주주의 사상을 심으려는 노력을 펼쳤다. 우선 기존의 군국주의하의 시대극, 뉴스 영화 제작을 금지시켰다. 그리고 민주주의 계몽(idea)영화들을 만들 것을 지시하였다. 이런 유형의 대표적인 영화로 1945년 말에 공개된 사이토 도라지로 감독의 슬랩스틱 코미디 『도쿄 다섯 사나이』가 있다.

2) 1950년대 일본영화의 황금시대

한편 1950년대 일본영화산업은 두번째 절정기를 누렸다. 기존의 스튜디오 시스템은 닛카츠, 쇼치쿠, 도호의 3대 영화사가 주축이었다. 50년대에 이르면 여기에 도에이(동영), 신도호(신동보), 다이에이(대영)가 합세하여 6대 메이저 영화사 시대가 도래한다.

51년에 첫 번째 컬러영화 『카르멘, 고향에 돌아오다』가 제작되었다. 일본영화 최고의 해라고 불리는 1958년, 일본 전국에는 7,500여개의 영화관이 있었고, 영화 입장객만도 11억 2,700만명에 달했다. 연간 제작되는 영화의 수는 500-600편에 이르렀고, 1958년 상영된 전체 영화 중 일본 영화가 75퍼센트를 차지하는 등 자국 영화에 대한 관객의 관심이 대단했다.

영화사들은 자기 나름대로의 특징을 개발하면서, 일본의 감독들이 작가로 탄생하는 밑거름이 되었다. 서민극의 대가인 오즈 야시즈로가 다다미 숏으로, 시대극의 대가인 미조구치 겐지가 롱 테이크로 일본 고유의 영화미학을 발전시킬 수 있었던 것도 스튜디오의 힘이다.

또한 전통적으로 내러티브보다는 형식미를 추구해 온 ‘노’와 ‘가부키’, 그리고 여백의 미를 추구한 회화적 전통은 모더니즘 영화 미학으로 발전하는데 많은 영향을 주었다. 이는 시대와 사회의 변화에 따라 다루는 주제는 달라졌지만, 일관된 이미지 중심의 형식을 강조하는 독특한 일본 영화가 유지되는 힘이 되었다.

일본 영화의 힘은 일본 영화의 천황이라 불리는 구로사와 아키라의 『라쇼몽』이 베니스 영화제에서 수상하는 것을 시작으로 일본 영화가 해외 시장에서 인정받으면서 그 진가를 발휘했다. 진리의 상대성을 통찰한 구로사와의 혜안이 돋보이는 『라쇼몽』은 할리우드의 이야기 구조를 파괴한 독특한 화술로 서구 비평가들의 찬사를 얻었다.

이어 미조구치 겐지의 『서학일대녀』, 『우게츠이야기』, 『산쇼다유』가 베니스 영화제에서 3회 연속 수상하면서 오즈 야스지로, 구로사와 아키라를 포함한 일본 영화의 3대 거장이 세계적인 주목을 받았다. 그 외에도 기노시타 게이스케, 이치가와 곤, 이마이 다다시, 신토 가네토 등은 작품마다 새로운 테마나 방법을 선보인 감독들로서 학생이나 지식층의 주목을 받으면서 일반 관객들의 인기를 얻는 영화를 제작하기 시작했다.

한편 1960년대 일본영화계에서 빼놓을 수 없는 존재가 바로 AGT(Art Theatre Guild)의 탄생이다. 이 단체는 당시 극장주들이 연합해 만든 제작 및 배급사로부터 발주를 받아 영화를 제작하는가 하면 이부 감독들이 설립한 독립 프로덕션과 합작해 영화를 제작하곤 하였다. 오오시마 감독의 1960년대 후반 작품 등 이 시기 일본영화의 많은 걸작들이 AGT 와의 제휴로 만들어졌다. 일본 영화계에서 급진적인 성향의 감독들이 영화를 감독하고 있었으나 한편으로는 1970년대의 예술영화를 탄생시키는 성과도 있었다.

1970-80년대는 일본 영화의 침체기로서 이 상황을 타파하고자 닛카츠에서 로망 포르노라고 불리는 영화들이 등장했다. 로망 포르노를 통해 젊은 감독들은 영화 연출 수련을 하게 되고, 이후 이들이 90년대 새로운 일본 영화계를 이끌게 되었다. 하지만 1980년대 후반 등장한 비디오로 인해 성인 비디오가 많아졌다.

하와이 말레이 해전 (1942)

라쇼몽 (1950)

5. TV등장과 영화산업의 변화

1) TV의 등장

① TV의 확산

1953년 2월 1일 도쿄 지방을 중심으로 방영이 시작되어 시청률이 급속하게 상승하였다. 1958년은 영화의 황금기라 불리었으며 일본의 영화 제작 편수는 사상 최고 504편을 기록하였다. 일본전국의 영화관 개수는 약 7,500여 개이고, 영화 관람객 입장 수는 약 11억 2,700만 명이다. 상영된 전체 영화 중 일본 영화가 75퍼센트를 차지한다.

그러나 이후 1958년을 정점으로 영화 산업은 서서히 하향 곡선을 그리기 시작하였고, 59년부터 62년까지 삼년간 영화관을 찾는 관객은 급격하게 감소한 반면에 TV의 수는 천만대를 넘어 서게 되었다.

그 당시 TV는 영화에서 단골 메뉴였던 영화 장르의 일부를 수용하고 주로 여성 멜로 드라마, 어머니들이 좋아하는 장르의 드라마가 전환되어 방영하였다.

② TV 도입이 미친 영향

TV의 등장으로 인해 여러 스튜디오 또한 불황을 맞고 이에 대책으로 도입한 와이드 스크린 역시 특별한 효과를 거두지 못하였다. 이것은 영화 산업 규모가 축소되고 영화의 내용성 변화를 강조하는 것이다.

이러한 시기 때 발표 된 오즈야스지로 감독의 작품인 『안녕하세요[1959]』 , 『부초[1959]』 , 『가을날씨[1960]』 등은 TV에 의한 영화의 침체시대에 접어들었음에도 최고의 예술적인 가치를 인정 받았다는 점에서 더욱 값지게 느껴지는 영화작품이었다.

TV의 도입은 영화 산업의 변화에 결정적인 역할을 기여하는데 중요한 계기를 마련해 주었다.

③ TV와 영화의 차이점

TV는 성인물, 폭력을 일삼는 장면들은 반영하지 못하였다.

그러나 영화는 주요 관객 층이었던 젊은 남녀 중 성인 남자 관객을 끌어 들이기 위하여 성인 폭력물 소재를 사용하였다.

이러함으로써 여성차별이 강하게 나타나는 경향을 발생, 일본영화는 성인 남자에게 극단적으로 기우는 경향을 보이게 되었다.

따라서 일부이긴 하지만 60년대부터 일본영화에 두드러지게 나타나는 현상은 성이나 폭력의 극단적인 표현이었고 사상적으로 명확하게 반체제적인 작품까지도 받아들였다.

1970년대는 과거와 같은 호황의 시기는 아니었으나 일본의 영화산업체제는 로망 포르노의 제작을 선두의 닛카츠와 폭력영화를 제작하는 도에이, 그리고 예술 영화를 전문으로 제작하고 있던 ATG그룹만이 각자의 특색을 유지하며 영화제작에 임하였다.

2) 핑크영화와 로망 포르노

① 핑크 영화의 정의와 특징

1960년대 티비의 등장으로 파산 위기에 빠진 일본의 메이저 영화사들이 그 위기를 모면하고자 만든 영화이다.

⑴ 그 당시의 다른 장르의 영화에 비해 제작 비용이 적다.

⑵ 한 작품을 만들어 공개하기까지 오랜 시간이 걸리지 않아 매우 경제적이었다.

그 밖에 도호, 도에이, 쇼치쿠는 영화산업의 몰락 속에서도 회사 경영의 부진을 면치 못하면서 계속 경영을 유지 하려 했고 합작영화, 회사의 구조조정을 통해 경영의 합리화를 실시하려 했다 .

② 로망 포르노

1971년 닛카츠의 파산 이후 남은 닛카츠의 노동조합원을 중심으로 회사를 재건하려는 목적으로 기존 영화와 다른 저예산으로 제작하였다.

⑴ 저예산이라고는 하지만 핑크 영화에 비해 제작비가 높다.

⑵ 닛카츠가 가지고 있었던 우수한 기술과 좋은 스튜디오에서 제작하여 나름 질이 높다.

로망 포르노는 제작 비용이 적은 핑크 영화보다는 주로 영화관에서 반영 하였던 로망 포르노가 표현이나 수위가 좀 더 과감하였다

현재

핑크 영화는 비디오의 전환으로 인해 오늘날까지 전통을 이어가고 있는 반면

로망 포르노는 인터넷의 발달로 인하여 대부분 폐쇄하였음

3). 추리 영화

1970년대 범죄 미스터리 영화가 많이 등장하기 시작하고 추리물 소설이 대중의 인기를 얻고 있었다

1. 마쓰모토 세이초의 『모래그릇”은 1974년 노무라 요시타로 감독에 의해 영화로 제작.

인간적 부도덕과 자식의 효에 대한 의미를 담고 있음.

2. 요코미조마사시의 『이누가미가의 일족[1976]”은 이치카와곤 감독에 의해 영화로 제작.

내용이 괴기하고 신비주의 스러운 느낌을 담고 있음.

다고카와 서점에서 발행한 인기 추리소설로 『인간의 증명[1977]”과 더불어 영화화에 성공한 작품

일본영화계는 다양한 제작의 방도를 모색하였으나 달리 대책은 찾지 못했다

1975년 구로자와 아키라 감독의 『데루스 우잘라[1975]”는 외국의 자본으로 영화를 제작

일본영화의 국제화라는 의미를 부여, 일본영화의 침체기를 극복하려는 노력으로 평가됨

6. 1980년대 이후 현대 일본문화

▣ 1980년대 영화계의 특징 : 대기업 영화사의 영화제작 부진으로 인하여 독립 프로 작품의 제작과 배급이 활성화되고 있다는 것.

1980년대 이후에는 소위 시네필 세대라고 불리는 새로운 감독세대가 등장하였는데 이들은 주로 독립영화제 등에서 각광을 받았으며, 이들 중 일부 감독들은 국제적으로도 호평을 받는 영화를 감독하여 큰 성공을 거둔다.

▣ 1980년대 유명한 감독 및 영화

오구리 고헤이(小栗康平) 감독

「진흙강(泥の河)」

오사카 대도시의 다리 밑에서 생활하고 있는 한 선상가정을 배경으로 함.

가난을 대도시를 배경으로 사실적으로 묘사하여 번영의 그날에 파묻힌 사회의 다른 일면을 강한 메시지로 조명한 영화.

특히 1980년대에 '피아 필름' 페스티벌과 같은 작은 영화제 행사들이 제도적으로 정착됨에 따라서 이 영화제에 독립 프로의 영화감독들이 출품을 하여 수상을 하는 등 이른바 인디팬던트 감독들이 대거 등장함.

이타미 주조(伊丹十三) 감독

-1980년대 일본영화 최고의 유명 감독.

데뷔작인「장례식(お葬式)」. 사회가 현대화되면서 전통적 의식이 가치를 잃어가는 일본의 모습을 잘나타냄.

1985년 「민들레(タンポポ)」, 1987년의 「마루사의 여인(マルサの女)」등을 통하여 일본의 사회현상, 혹은 사회적인 유행을 해학적으로 묘사하여 작품적으로 큰 성공을 거둠

시류에 편승하여 영화화함으로써 흥행하는 전략적 감독이였다.

소마이 신지

영화문법의 신선함과 새로운 감수성을 무기로 영화계에 데뷔함.

「태풍 클럽(台風クラブ)」이라는 영화로 젊은이들의 에너지와 방황을 잘 묘사하는 작품세계로 주목 받음.

이 외에 「이사」(1993) , 「여름의 정원」(1994) 등을 발표함.

▣ 1990년대 영화의 특징 : 사회성 테마를 가진 영화가 많이 등장함.

▣ 1990년대의 감독 및 영화

수오 마사유키 감독

1991년 「청춘 스모부」로 처음 상업영화로서 성공을 거둠.

1996년 중년남자가 사교 댄스를 배우면서 삶의 의미를 배운다는 「셸 위 댄스(Shall We Dance)」로 일본사회에 사교 댄스 붐을 일으킬 정도의 엄청난 상업적 성공을 거둠.

이와이 순지 감독

젊은 영상세대의 감수성을 대변하는 감독.

TV, 드라마, CF 감독 등으로 기량을 닦았다.

1995년 「러브 레터」의 성공으로 인기 감독으로 부상했고 1997년 「피크닉」을 발표했다.

러브레터(1995) (오겡끼데스까로 유명한 영화)

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일본에는 연간 약 240편 정도의 영화가 제작된다.

그러나 그 대부분의 영화는 모두 저예산 에로물 영화라는 것을 감안하면 실제로 순수영화의 숫자는 그렇게 많지 않다.

이러한 가운데 「셸 위 댄스」나 「실락원」같은 작품이 나오거나 세계영화제 등에서 수상을 하고 있는 것은 아직까지 일본영화의 잠재력이 많다는 것을 보여 주는 것이라고 생각한다.

많은 잠재력으로 아시아를 대표할 만한 일본영화를 만들었으면 한다.

7. 시대극 전통

헤이안조 말기 10세기경에 일어나는 난세시대부터 무사세력이 대두되는 에도 시대까지를 배경으로 한 극을 시대극이라고 한다. 시대극은 일본영화의 역사 속에서 가장 오래된 형식이며 일본인의 전통과 역사관 등 복합적인것들이 가장많이 내포되어 있는 영화이다.

<시대극의 형식>

시대극의 형식으로는 가부키 활극(구극)이 있으며,일본 영화가 도래된 이후 생겨난 영화 형식이다. 초기 시대극은 서민들의 취향에 맞춰 만든 히로이즘 영화들이 대부분이었다. 일반적으로 일본의 시대극은 초기의 가부키 활극시기를 제1기로 하여 시작되며 1960년대 시대극의 형식이 TV에 다시 등장할 때까지의 시기를 대게 7기로 나누어 발전과정을 말할 수 있다.

제1기 시대에는 주로 영웅호걸들의 무용담을 다루고 있는 영화들이 많았으며 봉건윤리를 배반한 자를 처단하는 치안유지적 응징에 대한 내용이 주를 이루었다.초기 시대극은 시대극으로서 영화의 사상과 작가의 미학이 부재했던 시대라고 볼 수 있다.

제2기 시대는 주로 니힐리즘(허무주의)시대라 하여 시대극의 형식이 점차 영화미학적으로 발전하게 되며,작가의 사상이 영화에 나타났던 시기이다.이 시기에는 1기 시대와 달리,세상을 비관하며 봉건윤리사상에 반역하는 인물들이 사무라이 등과 같은 형태로 나타나는 시대극이다.2기 시대의 인물상들은 1기시대의 야담이나 가부키의 봉건도덕의 긍정성에서 나타나는 역사속의 의사(義士)들과는 달리, 2기시대인 1920년대에는 일본에서 근대사상을 목표로 하는 이상주의 운동이 전개된때였으며 이러한 시대의 격한 감정이 시대극 주인공들이 갖고 있는 아나키스트적인 정부사상과 정권에 항거하는 형식이 서민의 정서와 일치했다. 또한 1920년대이후부터 대중소설속에 나타나는 협객이나 무사의 모습으로 나타내는것이 특징이다.1930년대 일본공산당의 조직적인 운동이 붕괴되며, 일본에서는 전향문학의 시대가 시작되며 영화에서도 전향적이며 반역정신으로 통하는 니힐리즘 시대극이 사라지게 되었다.

제3기 시대인 1932년부터 1940년까지는 한때 검극을 부정한 시대극이 등장하는 것이며,자유를 얻은 하층사회의 반항과 사회정의감에 찬 자유인들의 유토피아 정신과 부자유스러운 인간에 대항하는 서술구조의 시대극이다.즉 지적인 유머와 풍자가 묘사되었으며 시정이 풍부한 시대극의 새로운 패턴이었다.

제4기 작품의 특징으로는 1940년대에 군국주의 시대를 맞게 된 이후,영화속에서 반역적인 시대극이나 자유주의 시대극이 가지고 있던 도피적인 기분의 인물은 부정되고, 군국주의 시대의 요청에 부합되는 인물이 강조되었다.군국주의 시대극은 전쟁 중 일본민심에 대해 일체화를 강조하고 야마토 정신을 고취시키기 위한 인간형성에 있어서 필요한 자아수련을 강조하는 시대극의 형태였다. 그 후 전쟁이 끝나는 1945년부터 1949년까지는 시대극 5기 시대로 미군 정하에서 시대극 대부분 봉건주의 사상이나 복수를 긍정적으로 묘사한다 하여 제작을 금지당하여 작품의 수가 별로 없었다.

6기 시대인 1950년 대에는 봉건제도를 부정하고 무사가 된 것을 고뇌하며 행동하는 복수극의 행위가 군정하에서는 용납되지 않았으며 비찬바라 시대극이 시작된다.이 시기에는 고전문학에서 원작을 도입하여 시대극 영화를 만드는 경향이 있었으며 대중문학적인 반역이나 도피적인 히로이즘에서 탈피한 시기이다.또한 일본영화의 국제적 지위를 얻게되며 더불어 산업적으로도 영화의 황금시기를 맞게된 문화적·예술적으로 풍부한 시대이다. 특히 극의 구조가 봉건사회의 상식처럼 정신적으로 종속되는 것이 아닌 비난하는 것으로 변모해 가는 극의 양상을 띠고있다. 이것은 패전 직후 일본인들의 가치관이 전도되는 시기에 창조된 약동적인 이미지로 승화된 것이다. 또한 전후시대의 시대극을 일본의 전통적인 장르로 정착는데 공헌하였다. 6기 시대극은 전쟁 전의 히로이즘 활극조의 찬바라에서 탈피하여 인간 중심의 주제로 변화하였다.

찬바라의 영웅상을 묘사하는 시대극은 1950년대 TV의 등장으로 인하여 TV용 영화에서 주로 만들어지게 되었고,1960년대 일본의 대국주의화 정책이 반영된 것들이고, TV라는 안방극장의 폭넓은 관객을 위해 만들어진 계몽적,교화적이고 통속적인 내용들이다.

1970년대 들어와 작품의 수가 급격히 감소하고 옛날의 시대극처럼 화려한 액션을 보여 주는 시대극만이 아니라 그 내용이 다양해졌으며, 소위 ‘이색 시대극’이라 하여 주로 등장인물들의 인간상에 포커스를 맞추어 영화를 만드는 등 과거처럼 시대극의 정형화에 얽매이지 않는 시대극이 나왔다.

1980년대 시대극들은 제작비의 투자가 방대하고 스케일이 커서 일본의 시대극 재건을 위한 영화로 평가되었으며 이들 영화에서도 전국시대의 무장들을 영웅적으로 묘사하거나 시대극의 정형인 대량살상과 생존의미를 두기 보다는 무장들의 멸망과 어리석음,권력에 대한 허무함을 강조하고 있어 새로운 형태의 일본 시대극으로 변모하였다.

8. 일본 영화의 장르

1.멜로 영화

일본의 멜로드라마에는 대개 가족 멜로드라마, 운명의 멜로드라마, 교훈의 멜로드라마로 나눌 수 있다. 동양의 가족제도는 구성원 하나하나의 관계가 중요한데, 그 관계가 자연히 가족 멜로드라마의 요소가 된다. 운명의 멜로드라마에는 자기희생적인 우라미의 요소가, 교훈의 멜로드라마에는 동양적 가치관에 기초한 교화적인 요소가 강하게 작용한다. 일본영화에서는 가족의 멜로드라마가 특히 많이 만들어졌다. 어머니와 자식 간의 애달픈 사연, 부부나 가족 전체의 사연들이 다루어졌는데, 이는 모두 동양적 가치관에 기조를 두고 있다. 특히 동양적 가치관에는 눈물의 미학이 강조된다. 우리에게 한의 정서가 있는 것처럼, 일본인에게는 우라미가 있다. 우라미의 정서는 우리 한의 정서와는 그 본질이 다르지만, 상대에 대한 원망을 넘어 용서하려는 의식이 닮아 있다. 일본인의 우라미는 상대를 용서하고, 나아가 자신에게 피해를 준 그 상대가 잘 되기를 기원한다.

가족 멜로드라마는 자기희생의 멜로드라마이다. 가족은 공동체이고, 이 공동체 속에 각자의 개인은 가족 성원에게 빚을 지며 살아가고 있다고 생각한다. 그래서 자신이 진 빚을 갚아야 한다는 강박관념이 어느덧 자기의식 속에 강하게 자리 잡고 있다. 빚을 갚기 위한 마지막 수단은 결국 자기희생이라는 결론에 이른다. 일본 멜로드라마의 특징 중 하나는 바로 부모와 자식 간의 이야기가 많이 나온다는 점이다. 특히 아버지는 제외되고, 어머니와 자식 간의 애절한 이야기로 많이 이루어져 있다. 유교적 가치관이 지배해온 동양은 그 영향으로 남존여비 사상이 강했다. 메이지 유신 이후 서구의 사상이 유입되고, 패전 뒤에는 미국식 민주주의가 본격적으로 상륙해 일본 사회를 지배해도, 남존여비의 잔재는 아직도 강하게 남아있다. 그 대표적인 예가 호칭문제이다. 보통 일본 남자는 자기 부인을 부를 때 안사람이라고 하는데, 부인이 자기 남편을 이를 때는 우리 주인(우치노 슈진)이라고 한다. 부인은 남편의 한 종속물인 것이다. 남편으로부터의 사랑은 늘 실감되지 않으며 어머니는 갖은 정성을 자식에게 쏟으며 그 결핍된 사랑을 보상받으려고 한다. 바로 이것이 하하모노라는 일본 영화의 한 장르를 낳았다. 하하모노를 직역하면 어머니물이 된다. 가족물이라고 해도 좋을 드라마를 굳이 어머니물이라고 하는 것은, 남편으로부터 소외된 아내의 자식 사랑의 애틋함과 일본 가족은 아버지가 제외된, 어머니와 자식 중심이라는 사실을 잘 함축하고 있기 때문이다. 그리고 자식은 어머니의 강한 영향 아래 놓이지만 또 다른 한 가지의 중요한 패턴이 더 있다. 자식은 성장함에 따라 어머니의 법칙에만 동조하지 않는다는 점이다. 하하모노의 한 패턴은 숭고한 어머니의 비극적 생애를 그리거나 찬미한다. 가족을 중시하는, 특히 어머니에 대한 끝없는 열정을 지니고 있는 동양적 정서는 늘 사람들의 마음을 울렸던 것이다. 이러한 어머니를 중심으로 하는 멜로드라마도 일본 사회가 본격적인 산업사회로 진입함에 따라 전통적 가족 모럴의 붕괴와 함께 자연 쇠퇴한다. 80년대에 들어서면 어머니들은 이제 옛날의 관습에 얽매여 살아온 세대는 아니었다. 이때부터 여성 영화는 그 옛날의 하하모노는 아니지만 여성의 성적 해방을 그린 다양한 작품들로 나타났다. 이 시기부터 나오기 시작한 여성의 성적 해방 영화는 세계 영화계를 통틀어 아마 일본의 최첨단이었을 것이다. 이처럼 정신없이 돌아가는 일본의 현대는 얻은 것이 많은 듯하지만, 잃어버린 것도 많은 상실의 시대이기도 하다. 또한 피곤한 영혼이 쉬고 싶은 듯 복고풍에 젖어든 시기이기도 했다. 지금의 어머니에게도 느낄 수 없는 것을 어머니의 어머니를 빌어 표현하기도 했다. 일본 영화의 멜로드라마는 이와 같은 유형으로 아직도 진행 중이다.

-마의 시각: 후루하타 야스오 감독. 자신의 친아들을 한 남자로 받아들이는 어머니의 이야기. 그 옛날 자식에게 집착했던 어머니가 이제는 자식에 대해 성적으로 집착하는 시대에까지 이른 일본 사회를 그린 영화.

운명의 멜로드라마는 여인의 기구한 삶을 바탕으로 눈물을 자아내게 한다. 굳이 일본 영화의 특징을 들자면 연인의 안타까운 엇갈림의 설정이 주조를 이룬다는 점이다. 일본이 패전한 뒤 미 군정에 의해 서구식 민주주의의 개념이 도입되었다. 이즈음 신분 차이를 뛰어넘는 자유연애의 바람도 불기 시작했다. 그러나 이러한 운명의 멜로드라마는 뻔한 패턴에 같은 류의 내용을 영화에 담아내는 데에는 한계가 있기 때문에 점점 쇠퇴해 갔다.

-그대의 이름은: 오오바 히데오 감독. 도쿄 대공습 때 우연히 만난 두 남녀의 이야기. 둘은 서로 이름도 모른 채 반 년 뒤에 다시 만날 것을 약속하고 헤어진다. 이런저런 이유로 만나지 못하다 다시 만났을 때는 이미 그 여인이 다른 남자와 결혼한 뒤라 결국두 사람의 사랑은 맺어지지 못한다는 내용.

교훈의 멜로드라마는 반드시 교훈적 메시지를 담으려고 한다. 일본 문화는 불교와 유교 문화의 영향을 오래도록 받아왔다. 때문에 멜로드라마에서도 교훈적 메시지를 담으려고 애썼다. 일본 영화는 특히 관객에게 눈물을 요구하였고 관객 역시 기꺼이 이에 응하였다. 그러나 지금에 이르러 이런 정서에 젖어드는 관객은 현저히 줄어들었고, 앞으로도 더 줄어들겠지만, 언젠가 이런 패턴으로 다시금 많은 관객이 눈물을 쏟아 낼 정서의 여지는 아직도 많이 남아있다. 아무리 영악한 관객이라 해도 가슴 저 밑바닥에는 아직도 그 정서가 흐르고 있기 때문이다.

2. 시대극 영화

일본 영화는 연극의 구극과 신파로부터 갈라져 나왔다. 신파가 현대극 영화로 발전하였고, 구극은 시대극 영화로 발전했다. 일본 영화의 초창기 배우나 연출가들은 대개 유랑극단 출신이었다. 이들은 정식 가부키에 설 수 없었지만 전국을 유랑하며 생계를 위해 활동하였던 탓에 가부키의 꽉 짜인 양식성에서는 어느 정도 탈피할 수 있었다. 관중들에게 그들의 재능을 선보이던 중 새롭게 나타난 연극과 영화에 흡수되는 것은 자연스러운 일이었다. 아무리 양식화되었다 하지만 가부키의 가장 볼거리 장면은 역시 칼싸움(쟌바라) 장면이었다. 지금도 시대극 영화 중 칼싸움 장면이 화려한 영화를 ‘쟌바라 영화’라고 부르고 있다. 외국 영화의 영향으로 스피드와 아크로바틱한 요소를 가미함으로써 일본 시대극 영화의 양식이 완성되었으며, 당시 시대극 영화의 최대 매력은 리듬감과 스피드였다. 그래서 일본의 시대극 영화는 대체로 허구성과 히로이즘의 액션, 그리고 양식성이 농후하다. 일본 영화에서의 시대극은 사무라이를 중심으로 펼쳐졌는데 사무라이들도 권세를 누렸던 부류가 있었던 반면, 가난에 허덕이던 사무라이들도 많았다. 그래서 각지를 떠돌며 날강도질을 일삼던 낭인들이 생겨났는데, 일본 사무라이 영화에서 주된 등장인물이 바로 이 낭인들이었다. 물론 권세 있는 사무라이들이 주인공이 되는 영화도 만들어졌으나, 이들은 예외없이 대의명분을 중요시하는 인물로 그려졌으며 ‘검호물’이라는 장르로 영화에 등장했다, 일본 영화의 시대극 장르는 이 ‘검호물’과 관료 사무라이가 등장하는 ‘수사극’ <도리모노쵸>, 일본의 대표적 시대극 <쿠신츄라>로 대변되는 ‘복수극’, 그리고 떠돌이 낭인들의 방랑을 그린 ‘마타다비물’로 대략 나눌 수 있다. 이러한 장르 중 일반 관객들로부터 가장 인기를 얻은 것은 서민들의 애환을 함께하는 ‘마타다비물’의 낭인들 이야기였다. 그 패턴은 일본 관객들에게는 언제나 노스텔지어와 카타르시스를 안겨주었다. 바로 일본 전통적인 정서와 외국 영화로부터 수용한 몇 가지의 장치가 교묘히 맞아 떨어진 셈이다. 결국 일본의 시대극 영화는 폭발적인 인기를 얻었고, 일본은 세계 영화사상 유래를 찾아볼 수 없을 정도로 시대극 영화를 많이 만들어낸 나라가 될 수가 있었다. 그러나 시대가 바뀜에 따라 시대극 영화도 쇠퇴하기 시작했다. 그 맥을 이을 대안으로 나온 것이 바로 야쿠자 영화이다.

3. 야쿠자 영화(협객영화)

야쿠자 조직에게 볼 수 있는 유기적 조직의 형태는 보은과 복수의 의무를 서로 지고 있으면서 조직의 결속력을 다졌다. 이러한 규율을 오기테라 하였고 이 규율을 어기는 것을 외도라 하여, 이는 곧 파문을 의미하였다. 이러한 도박꾼들의 범죄집단 영화가 바로 일본의 야쿠자 영화이다. 일본의 야쿠자 영화에는 메이지 다이쇼, 쇼와 초기를 시대 배경으로 설정한 협객영화, 전후 폐허의 암시장을 배경으로 현대에 이르는 액션 갱 실록, 1950년대 최전성기를 구가했던 닛카츠 영화사의 무국적 액션물 등 몇몇 패턴이 있다. 그러나 뭐니해도 일본 야쿠자 영화의 대명사는 도에이 영화사의 협객영화일 것이다. 이 도에이의 야쿠자 주인공은 일본 전통의상에서 겉옷을 벗어 버린 기나가시 차림으로 잘 등장하는데, 이는 그 뒤 야쿠자 영화에서의 옷차림의 전형이 되어버렸다. 야쿠자 영화는 점점 변신을 거듭하였고 야쿠자 범죄조직의 악당을 선한 악당과 악한 악당이라는 이분법으로 설정하여 야쿠자라는 신분을 정당화시켰다. 현대의 일본인들은 잊고 있었던 의리, 인정, 순수, 의협심, 인내 등의 정서가 숨쉬고 있는 야쿠자 영화에 매우 열광했다. 야쿠자 영화가 크게 인기를 끈 것은 일본 학생운동이 전국적으로 확대된 1960년대 후반이었다. 체재에 대한 불만과 답답한 현실로부터 탈출을 모색하던 당시 젊은 학생들이 야쿠자 영화에 열광했다. 일반 관객들도 역시 그랬다. 급속한 경제개발과 학원소요 등 시대적 혼란 속에서 관객들은 선한 야쿠자의 심정으로 체제에 대해 반항하고자 한지도 모른다.

-인의 없는 싸움

-남자는 괴로워